Comunicaciones

Preside: Ángela Cenarro Lagunas, Universidad de Zaragoza.

Comunicantes:
15:30-15:40H: BEATRIZ FERNÁNDEZ DE CASTRO (UCA). Cuerpos en revolución: artistas performativas ibéricas en la década de los setenta

El objetivo de la comunicación es presentar un estudio diacrónico de la producción artística femenina en España y Portugal en la década de los setenta, prestando especial atención a las prácticas performativas y a las implicaciones estético-políticas del cuerpo femenino. Se considera este marco cronológico como un periodo de extraordinarios cambios en términos de paradigmas artísticos y sociopolíticos en ambos países, así como el momento en el que la participación pública femenina en el ámbito peninsular sufre un considerable desplazamiento desde los márgenes hasta el centro. Se pretende poner en contacto a todas estas revoluciones, considerando que esos cambios estructurales en las agitadas sociedades española y portuguesa se traducen en rupturas estéticas, renovadores puntos de vista y múltiples cuestionamientos sobre el fenómeno artístico y los roles de género.

Se presentará una relectura de esa vanguardia española y portuguesa, profundamente marcada por la radical alteración del papel y de la posición de las artistas en ambos contextos nacionales, de los cuales emerge una red de producción, afectos y efectos -políticos y estéticos- que designamos como feministas. Analizaremos ambas sociedades a través de la intervención estética, en muchos casos multidisciplinar, de las artistas en ambos países. No se tratará únicamente de incorporar a las mujeres y a sus obras a las categorías y discursos existentes, sino de crear nuevos enfoques sobre las explicaciones y los análisis ya realizados.

Para ello apostaremos por un estudio de carácter cualitativo, conformado tanto por fuentes primarias como secundarias. Las imágenes, los registros fotográficos de las diferentes obras o la documentación de diferentes tipologías se entrelazarán con fragmentos de entrevistas a las propias artistas.

Palabras clave: Producción artística femenina, prácticas performativas, implicaciones estético-politicas.

Bibliografía:
Brasão, Inês (1999), Dons e disciplinas do corpo feminino: os discursos sobre o corpo na história do Estado Novo, Cruz Quebrada, Gráfica 2000.
Garbayo Maeztu, Maite (2016), Cuerpos que aparecen: performance y feminismos en el tardofranquismo, Bilbao, Editorial Consonni.
Goldberg, RoseLee (2012), A Arte da Performance. Do futurismo ao presente, Lisboa, Orfeu Negro.
Mayayo, Patricia (2010), La Transición silenciada: Arte y políticas feministas en la España de los setenta, en Barrios Herrero, Olga (Ed.), La mujer en las artes visuales y escénicas: transgresión, pluralidad y compromiso social, Madrid, Fundamentos, pp. 63-78.
Morcillo Gómez, Aurora (2015), En cuerpo y alma. Ser mujer en tiempos de Franco, Madrid, Siglo XXI Editores.
Oliveira, Márcia (2013), Arte e feminismo em Portugal no contexto pós-Revolução, Dissertação de Doutoramento em Ciências da Literatura, especialidade de Literatura Comparada, Instituto de Letras e Ciências Humanas, Minho, Universidade do Minho.
Pérez Isasi, Santiago y Fernandes, Ângela (eds.) (2013), Looking at Iberia: A comparative European Perspective, Berna, Peter Lang.
Tavares, Manuela (2000), Movimentos de Mulheres em Portugal, Décadas de 1970 e 1980, Lisboa, Livros Horizonte.

15:40-15:50H: EVA MARÍA RAMOS FRENDO (UMA). Anna Quinquaud, artista en la encrucijada, dentro de un contexto patriarcal. Entre la exaltación de las personas subalternas y el servicio al proceso colonial.

Los estudios desde la perspectiva de género, impulsados por Nochlin, Pollock, Parker y muchas más historiadoras feministas del arte, contribuyeron a la visibilidad de las artistas, evidenciando el contexto de desigualdad de sus trayectorias y los prejuicios hacia sus creaciones. Pero, a su vez, prosiguieron revelando otras situaciones de explotación y subordinación, las sufridas por las personas subalternas, conduciendo al análisis crítico poscolonial de sus representaciones, siguiendo las teorías de Spivak, hooks, o Said.

En este estudio convergen ambos objetivos. Por una parte, acercarnos a una artista, Anna Quinquaud, dedicada a la escultura, una de las artes que se consideró menos adecuada para las mujeres. La artista marchó, a comienzos del siglo XX, a buscar la inspiración y la belleza entre la población africana, a la que acabó admirando, comprendiendo y convirtiendo en protagonista de su producción artística, con especial interés por la situación de las mujeres nativas. No obstante, sus tres viajes, de tres años de duración, fueron impulsados por los deseos imperialistas, en este caso los de la metrópolis francesa, que subvencionó estas estancias y condicionó sus encargos. Anna contribuyó con su obra a la difusión de la imagen de personalidades relevantes de ese mundo colonial, tanto sometidos, como conquistadores, en ocasiones, con fines diplomáticos, buscando acercamientos con aquellos países aún libres del yugo europeo.

La artista, durante mucho tiempo invisibilizada, por dobles circunstancias, el ser mujer creadora y parte de esos contextos de explotación, se nos descubre como una occidental que intentó que se mirara con nuevos ojos a esa población infravalorada y que, a lo largo de todo el proceso, acabó siendo crítica con la actuación colonizadora de la Europa hegemónica.

Palabras clave: escultoras, Segundo Imperio colonial, feminismo poscolonial, “subalternidad”, miradas hegemónicas, patriarcado

Fuentes: Las palabras de la artista, recogidas en memorias y entrevistas, las opiniones de la crítica, además de sus propias obras, son las fuentes primarias de partida para la reflexión e investigación.
BRUNOT, Henriette, “A travers le Soudan. Comment Mlle. Anna Quinquaud, prix de Rome de Sculpture, réussit à fixer la beauté africaine”, Le Quotidien, 29/04/1927, pp.1-2.
QUINQUAUD, Anna, “Mes souvenir de sculpteur de nègres au coeur de l’Afrique”, Lectures pour tous, 01/03/1927, pp. 75-80.

Bibliografía:
CLUZEL, Laure, Anna Quinquaud scultpeur de l’âme africaine 1890-1984, Lille, Université Chalres de Gaulle Lille 3, Tesis doctoral inédita, 2003.
CONCHON, Marie-Josèphe, Thérèse et Anna Quinquaud: la sculpture en partage, Ardents éditeurs, 2022.
DORIDOU-HEIM, Anna, Anna Quinquaud, exploratrice sculptrice. Voyage dans les années 30, Paris, Somogy, 2011.
DORIDOU-HEIM, Anna y WACHS GENEST, Catherine, Anna Quinquaud: itinéraire africains dans les années 30, Guéret, Lancosme, 2012.

15:50-16:00H: VANESA VILLAREJO HERVÁS (UCM). Puentes transatlánticos: profesionalización, arte y asociacionismo. Rafaela Sánchez Aroca y el Centro Iberoamericano de Cultura Popular Femenina

La España finisecular y de principios del siglo XX se caracterizó por numerosos avances relativos a la incorporación de las mujeres al espacio público; por motivos formativos, laborales o sociales. Progreso que transcurrió en paralelo con la creación de espacios como el Ateneo de Señoras (1869), la Asociación para la Enseñanza de la Mujer (1870), la Residencia de Señoritas (1915) o el Lyceum Club Femenino de Madrid (1926).

Lugares comunes que no sólo fueron epicentros culturales e intelectuales, sino que además sirvieron como puente entre diferentes países de Europa o de América Latina. Nos centraremos en la Unión Iberoamericana (1885) y especialmente, en el Centro Iberoamericano de Cultura Popular Femenina a través de la figura de Rafaela Sánchez Aroca, quien impartió clases en esta institución y compartió espacio con otras personalidades tan relevantes para el feminismo de principios del siglo XX como Carmen de Burgos o Concepción Saiz.

Esta comunicación plantea la reivindicación de espacios formativos y de sociabilidad femenina con carácter internacional como el Centro Popular de Cultura Femenina, así como las relaciones entre mujeres de diferentes profesiones a través de la figura de Rafaela Sánchez Aroca. En cuanto a las fuentes utilizadas, se combinarán primarias como Archivo Histórico de la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM, Archivo General de la UCM o Archivo de la Fundación Fernando de Castro, hemerografía, publicaciones artísticas y catálogos de exposiciones. Por otra parte, se ofrecerá un análisis crítico de bibliografía relacionada. Todo ello será posible gracias a la investigación previa “Adorno” y profesionalización artística femenina. El caso de la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid desde un enfoque histórico-social y con perspectiva de género. Breve historia de un olvido reconocido (1903-1936), y a la que se aportarán datos nuevos derivados de la realización de mi tesis doctoral.

Palabras clave: mujeres artistas, siglo XX, asociacionismo, conexiones transatlánticas, sociabilidad femenina, Centro Iberoamericano de Cultura Popular Femenina.

6:00-16:10H: AMAYA BOMBÍN (USAL). Maternidad y creación visual en España a través de la obra de reconocidas artistas contemporáneas

Se examinará la agencia de las mujeres en el arte visual español centrándose en su maternidad y cómo afecta ésta a su obra artística. Mi tesis “Maternidad y creación en las artistas visuales a partir de los años 70 en España” parte de esta década, periodo de inflexión social y político, para
analizar entre otras cosas, cómo las artistas desafiaron las narrativas tradicionales de género, especialmente en relación con la maternidad.

Se partirá del caso de Marisa González, artista con una obra feminista y siempre socialmente comprometida, la cual podremos contemplar en una gran retrospectiva en el Museo Reina Sofía en 2025. Se demuestra cómo González y otras artistas contemporáneas también entrevistadas o
que serán entrevistadas, como por ejemplo Estíbaliz Sádaba, María Gimeno, Nieves Correa o el colectivo OFFmothers entre otras, han contribuido a la expansión del discurso feminista. Ellas intentan empoderar a las mujeres para reclamar su voz en el ámbito cultural y político a través de su obra y del asociacionismo. Así, esta investigación arroja luz sobre el diálogo que está en curso sobre género, identidad y compromiso social en el arte visual contemporáneo en España.

Palabras clave: Maternidad y creación / Marisa González / Nieves Correa / Estíbaliz Sádaba / María Gimeno / OFFmothers

Principales fuentes:
Las principales fuentes son las entrevistas realizadas a las propias artistas, bien online o en persona, como por ejemplo la entrevista a Marisa González en su estudio en Madrid, el 24 de abril de 2024.

Bibliografía:
Sádaba, Estíbaliz. Espacio doméstico, cuerpo domesticado. Una aproximación al ámbito doméstico desde la práctica artística feminista. Universidad País Vasco. 2017.
_Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010 en el MUSAC. Edita This side up. Madrid, 2013.
_Llopis, María. Maternidades subversivas. Navarra. Editorial Txalaparta. 2015.
_Butler, Judith. Gender Trouble: Feminism and the Subversion of Identity. Londres: Routledge Classics, 2006.
_Alario Trigueros, Mª Teresa. La mujer creada: lo femenino en el arte occidental. Arte, individuo y sociedad, 1995. págs. 45-52. https://dialnet.unirioja.es/.
_Davies, Moyra. Maternidad y creación. Barcelona: Alba Editorial, 2007.
_Elbaum, E. El despertar de la maternidad: Un recorrido íntimo. Argentina: Editorial El guardián literario, 2020.
_Mayayo, Patricia. Historias de mujeres, historias del arte. Madrid: Ediciones Cátedra, 2003.

16:10-16:20H: BERTA ECHÁNIZ MARTÍNEZ (U. Miguel Hernández). Genealogías femeninas de la caridad: narrativas visuales de la lucha anticancerosa en la España del siglo XX.

A lo largo del siglo XX, en el contexto internacional del proceso de institucionalización de la lucha contra el cáncer y del desarrollo de los distintos sistemas asistenciales en torno a esta enfermedad, esta propuesta plantea el estudio de la actividad desempeñada por las mujeres en las campañas de propaganda, divulgación, asistencia, captación de recursos y educación de la población a través del análisis e interpretación de fuentes visuales, sobre todo, fotografía histórica. La ocupación de un espacio público eminentemente masculino, a través de una participación activa en dos organizaciones concretas: (la Liga Española contra el Cáncer y la Asociación Española Contra el Cáncer), ha quedado ampliamente recogida en testimonios fotográficos contemporáneos, permitiéndonos reconstruir un modelo de acción social protagonizado por mujeres y estudiar la creación de genealogías femeninas de la caridad entre las élites sociales.

Palabras clave: historia de la salud y la enfermedad, lucha anticancerosa, Junta de Damas, caridad, fotografía.

Principales fuentes empleadas:
Junto al empleo de bibliografía específica sobre el tema de estudio y fuentes escritas (documentos de archivo, bibliotecas, prensa y legislación) La propuesta gira en torno al análisis de las fuentes visuales de la prensa de la época (fotografías) y, sobre todo, aquellas conservadas en las colecciones fotográficas de archivos estatales, locales o regionales. También se contempla la posible inclusión de archivos particulares o de instituciones privadas

Preside: Miren Llona, Universidad del País Vasco/EHU.

Comunicantes:
15:30-15:40H: HENRIETTE MARSDEN (Cambridge University). Privately Crafting Public Selves? British Suffrage Scrap-Albums and the Struggle for Representation

This paper discusses the production of photographic scrap-albums by suffragette groups in the early twentieth century, focussing on one album currently held at Duke University. From the end of the nineteenth century up until the first two decades of the twentieth century, the collection of
news clippings within designated scrap-albums became part of an array of methods sought out by British women fighting for their right to vote. Though understudied by photographic and feminist visual historians alike, such scrap-albums hold important insights into the strategies suffrage groups chose to reflect upon and impact their public perception. In particular, these albums undermine the purist division of feminine spaces, being both too political for a purely domestic women’s history and too domestic for a purely political women’s history. Because suffrage scrap-albums refuse to fit into the hermetically sealed-off distinction of public protests and private life, they demand an approach that allows for a more complicated history of women’s representation to unfold. By positioning these suffrage albums within the history of women’s photo-albums and analysing their subversive visual structure, this paper will argue that suffragettes made scrap-albums to connect their critique of political representation with issues of photographic representation. Thus, it will be shown that these albums served as important tools through which women were able to critically reflect upon the medial representation which seriously impacted their campaign for political representation. In so doing, this paper explores how a media-critical analysis of scrap albums situates the struggle for British women’s enfranchisement within overarching issues of representative democracies.

Key words: scrap-albums, women’s suffrage, democratic representation, photographic representation, mass media

Bibliography:
Curtis, Verna Posever (ed.): Photographic Memory. The Album in the Age of Photography (New York, 2011)
Di Bello, Patrizia: Women’s Albums and Photography in Victorian England. Ladies Mothers and Flirts (Aldershot/Burlington, 2007)
Kuipers, Juliana M.: ‘Scrapbooks. Intrinsic Value and Material Culture’, in: Journal of Archival Organization (2004), Vol. 2, No. 3, pp. 83-91
Langford, Martha: Suspended Conversations. The Afterlife of Memory in Photographic Albums (Montreal/London, 2001)
Lederman, Russet and Yatskevich, Olga (eds.): What They Saw. Historical Photobooks by Women, 1843-1999 (New York, 2021)
Mercer, John: ‘Making the News. Votes for Women and the Mainstream Press’, in: Media History (2004), Vol. 20, No. 3, pp. 187-199
—‘Media and Militancy. Propaganda in the Women’s Social and Political Union’s Campaign’, in: Women’s History Review (2005), Vol. 14, No. 3-4, pp. 471-486
Murray, Simone: ‘“Deeds and Words”. The Woman’s Press and the Politics of Print’, in: Women. A Cultural Review (2000), Vol. 11, No. 3, pp. 197-222
Watton, Cherish: ‘Suffrage Scrapbooks and Emotional Histories of Women’s Activism’, in: Women’s History Review, published online ahead-of-print
(09.01.2022), accessible at: https://www.tandfonline.com/doi/10.1080/09612025.2021.2012343

15:40-15:50H: IRENE BARRENO GARCÍA (CSIC). Habitar un cuarto ajeno: la capacidad de agencia de las artistas en el primer franquismo a través de la prensa.

La historiografía artística feminista viene señalando hace décadas cómo el concepto canónico de autoría se ha codificado, en un proceso históricamente patriarcal, en términos estrictamente masculinos. Diversas autoras han denunciado la utilización de mecanismos discursivos que han
creado en los imaginarios culturales una imagen del artista que solo casaba con la identidad masculina (Nochlin, 1971; Russ, 1983). Partiendo de esto, proponemos un análisis de los modos en que las artistas activas durante el franquismo gestionaron su identidad como creadoras, negociando la posición social que como mujeres se les había asignado y manejando las tensiones que implicaba una mujer dedicada a una actividad pública como el arte.

Particularmente durante la dictadura, y en especial en sus primeros años, todas las esferas sociales y culturales experimentaron un proceso de fascistización e hipermasculinización que vetaba conceptualmente a las mujeres de ámbitos como el artístico. Una mujer artista parecía una contradicción prácticamente biológica. No obstante, al afrontar la documentación de archivo se detecta una prolífica cantidad de creadoras activas durante esos años. Parece esto constituir una muestra de lo que aventuraban Parker y Pollock (1981) al enunciar que las mujeres realmente nunca habían actuado desde los márgenes de la cultura, sino que habían sido obligadas a actuar desde dentro de un sistema cultural codificado, sin embargo, en términos opuestos a todo lo que ellas teóricamente representaban. Por todo ello, atendiendo también a Virginia Woolf (1929), entendemos que habitaron un cuarto/espacio que les era entendido como ajeno.

Las cuestiones que trataremos pretenden clarificar cómo las artistas gestionaron su presencia pública y en la esfera cultural durante el franquismo, o cómo se puede investigar su capacidad de agencia a través de, por ejemplo, entrevistas que ofrecían en prensa, en las que cuidadosamente elaboraban su imagen como artistas, y las contradicciones que esto podía llegar a implicarles.

Palabras clave: artistas mujeres, agencia femenina, franquismo, historia de las mujeres, prensa franquista

Bibliografía:

• Bardavío Estevan, Susana (2019). “Ángeles del hogar y chicas raras: la construcción de lo femenino a través de la literatura en el primer franquismo”. En: Mónica Moreno Seco, Rafael Fernández Sirvent, Rosa Ana Gutiérrez Lloret (coord.). Del siglo XIX al XXI: tendencias y debates. Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, pp. 846-858.
• Belvedresi, Rosa (2018). “Historia de las mujeres y agencia femenina: algunas consideraciones epistemológicas”, Epistemología e historia de la ciencia, vol. 3, nº 1, pp. 5-17.
• Cabanillas Casafranca, África (2007). “Las mujeres y la crítica de arte en España (1875-1936)”, Espacio, Tiempo y Forma, serie VII, vol. 20-21, pp.
  363-389.
• García Soria, María (2009). “Lo femenino en relación al estilo y los temas tratados por las artistas plásticas de posguerra. España 1939-1957”. En: Giménez, Cristina y Lomba, Concha (eds.). El arte del siglo XX. Universidad de Zaragoza, pp. 325-338.
• Parker, Rodsika y Griselda Pollock (1981). Maestras antiguas. Mujeres, arte e ideología. Akal (ed. 2021).
• Ríos Lloret, Rosa (2023). “La agencia de las mujeres en el arte”. En: Morant, Isabel, Rosa Ríos y Rafael Valls (dirs.), El lugar de las mujeres en la
  historia. Desplazando los límites de la representación en el mundo. Universidad de Valencia, pp. 341-350.
• Rodrigo Villena, Isabel (2017). “La galantería: una forma de sexismo en la crítica de arte femenino en España (1900-1936)”, Asparkía: Investigación feminista, n.º 31, pp. 147-166.
• Rosón, María (2016). Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo. Cátedra.
• Russ, Johanna (1983). Cómo acabar con la escritura de las mujeres. Dos Bigotes (ed. 2018).
• Woolf, Virginia (1929). Una habitación propia. Seix Barral (ed. 20011).

16:00-16:10H: JÚLIA CUADRAT ROYO (URV). La agencia de las anarcofeministas en la guerra civil española: un estudio iconográfico e iconológico.

Las identidades de género se consolidan y transmiten, en gran medida, a través de las imágenes difundidas por la sociedad; y su representación cultural es fundamental en la construcción de estas. Por tanto, la difusión de un imaginario colectivo es un instrumento para reforzar las pautas
conductuales y los modelos de feminidad y masculinidad. No obstante, las imágenes y las representaciones culturales no reflejan toda la complejidad que esconde el universo femenino ni masculino, ni los valores culturales de una sociedad, pero ayudan a descodificar las experiencias colectivas y a entender los procesos de cambio que transforman las identidades de género y el tejido social (Nash, 2006).

La presente contribución analiza iconográfica e iconológicamente Mujeres Libres (1936-1938) con el objetivo de comprender el discurso que transmite esta revista en relación con el papel de las mujeres en la guerra civil. En tanto que la revista es el órgano de la Agrupación Mujeres Libres, en sus páginas se plasman las bases teóricas y líneas de actuación de la organización anarcofeminista.

Es cierto que Mujeres Libres es un medio de prensa, pero uno de sus recursos más relevantes son las fotografías e ilustraciones que ocupan sus páginas, composiciones protagonizadas, mayoritariamente, por figuras femeninas, y que permiten transmitir un discurso en formato gráfico. Igual que los carteles propagandísticos, son un canal expresivo capaz de comunicar ideas de forma directa; y este poder de transmisión justifica su estudio. Las fuentes visuales mencionadas son un reflejo de los contenidos de la revista y de los valores y pautas conductuales que quiere transmitir la organización en relación con la participación de las mujeres en la guerra. Así pues, su análisis permite conocer cómo la organización pretende que las anarcofeministas contribuyan al triunfo de la causa antifascista y de la revolución.

Palabras clave: Anarcofeminismo, Mujeres Libres, prensa, guerra civil española, figura femenina, fuentes visuales

FUENTES PRIMARIAS (FUENTES DE ARCHIVO):
Mujeres Libres. (1936-1938). Madrid: Gráficas Nacional, i Barcelona: Cooperativa Obrera Avant.
MMLL. (1937). Estructuración. Finalidades. Folleto S.L.S.D.

FUENTES SECUNDARIAS:
Ackelsberg, M (2017). Mujeres Libres. El anarquismo y la lucha por la emancipación de las mujeres (4a. ed.). Virus Editorial.
Fontanillas, A. (1999). La revista Mujeres Libres y sus colaboradores. En C. Liaño (Coord.), Mujeres Libres, luchadoras libertarias (pp. 93-95). Fundación Anselmo Lorenzo.
Julián, I. (1993). El cartel republicano en la guerra civil española. Instituto de Conservación y Restauración de Bienes Culturales.
Montero, J. M. (2003). Anarcofeminismo en España. La revista Mujeres Libres antes de la Guerra Civil. Fundación Anselmo Lorenzo.
Nash, M. (1975). Mujeres Libres. España 1936-1939. Tusquets.
Nash, M. (2006). Rojas. Las mujeres republicanas en la Guerra Civil (5a ed.). Taurus.
Rubio, M. C., i Ruiz, M. R. (2003). Presencia, participación e ideología de las mujeres en la Guerra Civil española a través de dos revistas: Mujeres libres e Y.
Revista para la mujer. En M. Nash i S. Tavera (Coords.), Las mujeres y las guerras: el papel de las mujeres en las guerras de la Edad Antigua a la
Contemporánea (pp. 502-525). Icaria.
Vicente, L. (2020). La revolución de las palabras: la revista Mujeres libres. Editorial Comares.

16:10-16:20H: MARINA ZAMORA LARA (UCo). Del discurso a la acción: feminismo andaluz y sociabilidad femenina en el siglo XIX.

La presencia de las mujeres en la producción de contenidos periodísticos y en la articulación de discursos feministas en la España de la segunda mitad del siglo XIX ha sido ampliamente reconocida por la historiografía de las últimas décadas. Estos análisis, a menudo vinculados a la historia de las emociones y los estudios culturales, han subrayado el rol femenino en la creación y asunción de identidades alineadas con el futuro estereotipo de “mujer moderna”.

Este estudio pretende continuar con esta línea de indagación introduciendo un giro metodológico que enfatiza la categoría de sociabilidad como herramienta analítica en la investigación histórica. Mediante el examen de los discursos con aspiraciones feministas difundidos en revistas andaluzas de la segunda mitad del siglo XIX, como la serie de los Pensiles gaditanos, La Buena Nueva o Asta Regia, y la consideración de publicaciones similares de la misma época en otras regiones de la península, como La Ilustración de la Mujer o La Luz del Porvenir, se plantea que estas proclamas constituyeron un precursor ideológico directo del movimiento asociativo femenino emergente en las primeras décadas del siglo XX.

Las mujeres, inicialmente por medio del discurso en prensa y literatura, comenzaron a transformarse de sujetos pasivos a agentes activos dentro de las redes sociales de la época, marcando un cambio significativo en las dinámicas culturales del país. Este análisis busca establecer una conexión directa entre ese discurso feminista temprano andaluz, la formación de una sociabilidad específica extrapolada a otras zonas peninsulares y el impulso hacia un asociacionismo que, aunque no se concretó plenamente en el momento de las publicaciones debido a la convulsa coyuntura del contexto histórico, sentó las bases para futuras acciones colectivas con objetivos revolucionarios.

Palabras clave: Siglo XIX, Discursos feministas, Prensa, Sociabilidad, Asociacionismo

Bibliografía:
BARROSO ROSENDO, J. R. (2016). “Los orígenes de la prensa feminista. El caso de El Pénsil de Iberia (Cádiz, 1859)”, El documento destacado, N.º 5, págs. 1-18.
BUSSY GENEVOIS, D. (2003). “Por una historia de la sociabilidad femenina: algunas reflexiones”, Hispania, Vol. LXIII/2, N.º 214, págs. 605-620.
CANTIZANO MÁRQUEZ, B. (2004). “La mujer en la prensa femenina del siglo XIX”, Ámbitos: Revista Internacional de Comunicación, N.º 11-12, págs. 281-298.
CASAS-DELGADO, I. (2018). “Los albores de la emancipación femenina. Escritoras en la prensa del Sexenio Democrático”, El argonauta español, N.º 15.
PECHARROMÁN DE LA CRUZ, C. (2022). “El furierismo feminista de los Pensiles de Cádiz en relación con otros socialismos utópicos europeos”, en Sánchez Hita, B. y Román López, M. (Coord.) La prensa en Andalucía en el siglo XIX: cultura, política y negocio del Romanticismo al Regionalismo, págs. 187-212.
SÁNCHEZ GARCÍA, R. (2019). Señoras fuera de casa. Mujer y espacio público en la España del siglo XIX, Madrid: La Catarata.
TOCINO ESPIGADO, G. (2008). “La Buena Nueva de la Mujer-Profeta: identidad y cultura política en las fourieristas Mª Josefa Zapata y Margarita Pérez de Celis”, Pasado y Memoria. Revista de Historia Contemporánea, N.º 7, págs. 15-33.

Preside: Alejandra Franganillo Álvarez, Universidad Complutense de Madrid.

Comunicantes:
15:30-15:40H: ANA ISABEL ROMERO SIRE (UPF). La amiga de las artes en España y Argentina en el primer tercio del siglo XX

Entre los modelos de agenciamiento artístico al alcance de la mujer durante el primer tercio del siglo XX encontramos su papel como «amiga de las artes», en especial para aquellos sujetos femeninos que no contemplaban la actividad artística plena como posibilidad real. Ser amiga de las artes era distinto de ser artista y bastante más distinguido que ser una amateur. Se trata de una opción basada en la extracción de élites, inicialmente solo abierta a la aristocracia de sangre, la oligarquía y las clases bancarias e industriales. La regulación de este espacio de subjetivación venía ordenada por normas de clase y emociones estéticas (i.e. la amistad, el goce sereno) más que por valores morales y sentimientos, aportándole a las mujeres muchas más oportunidades de gratificación sensual y emocional o visibilidad social que las obras benéficas, por lo que el arte llega a desplazar a la caridad como opción preferente en estas mujeres. Pudiendo implicar algún tipo de aprendizaje artístico puntual, permitía además a la mujer participar de la mediación con la autoridad masculina y cultivar un tipo de trato galante basado en el aprendizaje y la conversación con los demás. En España y Argentina dos sociedades homónimas (SAA en Madrid, 1909-1931 y AAA en Buenos Aires, 1924-1942) canalizaron este tipo de sociabilidad que enuncia embrionariamente los futuros papeles de la mujer como historiadora y crítica de arte, como curadora, como coleccionista, como mecenas o como gestora cultural. Fueron grupos muy exclusivos las que accedieron a estos espacios, en algún caso con pertenencias dobles o a más de una entidad, y en esta comunicación examinaremos el papel formativo que estas sociedades tuvieron en el desarrollo (y ensayo) de semejante personalidad artística femenina asomada a la Modernidad. Casos como la Duquesa de Dúrcal, María de Cardona, María Luisa Caturla, Margarita Nelken, Lía Sansinena, Adelia de Acevedo, Condesa de Cuevas de Vera o la Marquesa de Salamanca serán discutidos dentro del modelo. La membresía de las sociedades, revistas y memorias de actividad, epistolarios personales y autobiografías son las fuentes que sustentan nuestra investigación. Pero para acabar de definir el modelo es importante atender, desde una perspectiva sistémica y de redes, de campo, al resto de entidades que dibujaban el panorama de la sociabilidad urbana para la mujer en una gran capital. En el Madrid de la Restauración, por ejemplo, otras tres entidades al menos coordinaban la sociabilidad femenina en relación a la société savante y el conocimiento de las artes (Lyceum, Sociedad de Conferencias, Unión Iberoamericana), por lo que es el contraste con éstas lo que acabará de decidir la especificidad de las amigas de las artes como modo de participar de la conversación social sobre el hecho estético.

Palabras clave: coleccionismo, agencia, curaduría, sociabilidad, élites, aristocracia.

Bibliografía:
Benéitez Andrés, Rosa y Domingo Hernández Sánchez. «Confidencias estéticas: sobre María Luisa Caturla y José Ortega y Gasset». En Mujer y filosofía en el mundo iberoamericano, Roberto Albares et al. (eds), 333-340. Salamanca: Ediciones Universidad de Salamanca, 2022.
Cabanillas Casafranca, África. «Las mujeres y la crítica de arte en España (1875-1936)». Espacio, tiempo y forma, Serie VII, Hº del Arte, 20-21(2007-08): 363-389.
Demeullenaere-Douyère, Christiane (dir.) Les acteurs du développement des réseaux (édition électronique). 140e Congrès national des sociétés historiques et scientifiques, Reims, 2015. París: CTHS, 2017.
Diz, Tania. «Re-presentación de las mujeres en el campo intelectual de principios de siglo en Argentina». Rev. Escuela de Letras, 7/1 (2000): 90-100.
Dussol, Dominique. Art et bourgeoisie: La Société des amis des arts de Bordeaux (1851-1939). Burdeos: Le Festin Atelier du C.E.R.C.A.M., 1997.
Gaillot, Antoine et al. « (Re)Faire l’histoire de la sociabilité urbaine. Pratiques, espaces et discours », Hypothèses, 12/1 (2009): 239-250.
Laffite, Marie. Mi atardecer entre dos mundos. Recuerdos y cavilaciones. Barcelona: Planeta, 1983.
Ortega y Gasset, José y Victoria Ocampo. Cartas 1917-1941. Entre el corazón y la razón. Buenos Aires: Biblos, 2023.
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Schaal, Katia. «Les Sociétés des amis des arts comme organes de décentralisation et de démocratisation artistiques », NUMRHA cahier del INHA, puesta en línea 17/11/2020.
Vanecker, Beatrijs y Lieke van Deinsen (eds.). «Portraying Female Intellectual Authority: An Introduction». En Portraits and Poses. Female Intellectual Authority, Agency and Authorship in Early Modern Europe, 7–26. Leuven: Leuven UP, 2022.

15:40-15:50H: BARBARA STOLTZ (U. Marburg). Women Thinkers in the Arts: An incisive look at the essential foundations and principles of art, art history and art theory.

This paper focuses on the question of the canon of art theory and the participation of women philosophers, artists, art historians and critics in it. The paper is part of a larger project that examines art theory as a term, discourse and discipline comprehensively and across time, with the aim of presenting its changing meanings and interpretations, as well as its multifaceted role in the history of art. In this complex revision of art theory, the aim is to integrate consistently important texts and theories by women thinkers from the early modern period to the present.

In this paper I would like to present my research and discuss a very crucial question, namely whether, beyond the discourses of a specific feminist aesthetics or the question of whether there is a specific female theory of art, it is possible that there is a kind of view or method that is –not typical or specific– but very much propagated by women thinkers? To discuss this question, three very important but less studied women thinkers from the late modern period are presented here: the philosopher Susanne Langer, the art historian Hannah Levy-Deinhard, and the artist Louise Bourgeois. After a brief examination of why their texts have not been widely studied, the common characteristics of these very divergent theories will be presented. It then will be demonstrated that one of the most crucial aspects of the theories of these three thinkers is the incisive, constant and profound search for the principles and essential foundations of art. It then goes on to show how these art theoretical insights have influenced thinking about art and can
still be used and read today to understand art and art history.

Key words: women art theorists, art theory, essential principles of art, Susanne Langer, Hannah Levy-Deinhard, Louise Bourgeois

Bibliography:
Stoltz, Barbara, „Künstlerische Konzepte versus Kunsttheorie seit der Renaissance – aus der Sicht der Moderne und Postmoderne“, in: Grundlegende Konzepte der Renaissance in der Kunst der Moderne, Postmoderne und Gegenwart. Widerlegung, Wiederaufnahme, longue durée, ed. Barbara Stoltz, Lausanne et. al. 2024, pp. 11-32.Chichester, Lee K. et al [Ed.], Kunsthistorikerinnen 1910–1980: Theorien, Methoden, Kritiken, Berlin 2021.
Kroll, Renate/ Gramatzki, Susanne [Ed..]: Künstlerinnen schreiben. Ausgewählte Texte zur Kunsttheorie aus drei Jahrhunderten, Berlin 2018
Robinson, Hillary [Ed.] Feminism-art-theory : an anthology 1968 – 2014, Oxford 2015.

Sources:
Louise Bourgeois (1910-2011): Louise Bourgeois. Destruction of the father, reconstruction of the father. Schriften und Interviews 1923 – 2000, hg. v. Marie-Laure
Bernadac u. Hans-Ulrich Obrist, Zürich 2001.
Hanna Levy-Deinhard, (Künstlerischer und Historischer Wert): „Valor artístico e historíco. Imporante problema da história da arte“, in: Revista so Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico National, 4, 1940, 181-192.
Hanna Levy-Deinhard, Bedeutung und Ausdruck. Zur Soziologie der Malerei, Neuwied 1967.
Susanne K. Langer, Feeling and Form, London 1953.
Susanne K. Langer, Problems of Art: Ten philosophical lectures, New York 1957.
Susanne K. Langer, Reflexions on Art, Baltimore 1958.

15:50-16:00H: SARAY ESPINOSA (UdG). Nosotras, las mujeres ibéricas: feminismos, discursos y práctica artística en la península (1960–1986).

En 1965, la escritora y activista catalana Maria Aurèlia Capmany reseñó The Feminine Mystique (1963) de Betty Friedan en la revista gerundense Presència, con motivo de la traducción al catalán y castellano del ensayo. El texto constituye un primer ejemplo de conceptualización del sujeto político de la mujer ibérica, que toma conciencia en el momento de que su opresión es (como mínimo) doble: por vivir sujeta a un régimen dictatorial, y por ser mujer en una sociedad machista. Cinco años después, publica El feminismo ibérico (1970), en el que se pregunta de qué modo el análisis de Friedan puede aplicarse al contexto peninsular.

En esta comunicación presentaremos algunos apuntes en torno a la relación entre la práctica artística y feminismos ibéricos, basándonos en la comparación y análisis de los discursos teóricos, activistas y artísticos de la época. La investigación se enmarca en el espacio académico de los estudios del feminismo ibérico, de creación relativamente reciente, y resume los resultados de mi proyecto de tesis doctoral, en fase final de elaboración, en el que analizo los discursos y las representaciones de la sexualidad en el arte de mujeres de la península ibérica entre las décadas sesenta y ochenta.

Palabras clave: Feminismos Ibéricos; Feminismos Artísticos; Arte Contemporáneo; Franquismo; Salazarismo.

Bibliografía:
Barreno, Maria Isabel; Horta, Maria Teresa y Da Costa, Maria Velho. As Novas Cartas Portuguesas. Edición anotada. Alfragide: Publicações Dom Quixote, 2010.
Capmany, Maria Aurèlia. La Dona a Catalunya. Consciència i Situació. Barcelona: Edicions 62, 1966.
Capmany, Maria Aurèlia. El Feminismo Ibérico. Barcelona: Oikos-tau, 1970.
Lamas, Maria. As Mulheres do Meu País. 2da Edición. Lisboa: Caminho, 2002. Original publicado por fascículos entre 1948 y 1950.
Nash, Mary. “Diverse Identities: Constructing European Feminism,” en Global Forum Series. Occasional Papers, no. 96–02. Durham: Duke University y Center for International Studies, 1996.
Porto, Manuela. Virginia Woolf: O Problema da Mulher nas Letras. Cadernos de Seara Nova, 1947.
Pompeia, Núria. Maternasis. Barcelona: Editorial Kairós, 1967.

16:00-16:10H: MARIO GARCÍA PÉREZ (UNED). Irrupción queer en la «tercera ola» feminista: genealogías en la escena española.

La irrupción de la teoría queer, acuñada por Butler y su célebre texto El género en disputa (1990), llegó al Estado español en un momento de reconfiguración de los movimientos feministas. Tras la “institucionalización” de los movimientos de mujeres (creación del Instituto de la Mujer en 1983 y la despenalización del aborto en 1985) a mediados de los años ochenta, las asociaciones feministas del Estado español se enfrentaban al reto de reconfigurar su espacio para reimpulsarlo en los años noventa.

En este período surgirán los llamados “nuevos feminismos” (como describe Silvia L. Gil), inscritos en la «tercera ola» feminista, y que cuestionarán la ontología del género promulgada desde el feminismo hegemónico, apostando por una perspectiva queer inclusiva que replantee las identidades y sexualidades cis-heteropatriarcales. La década de los noventa supondrá la inclusión de la perspectiva feminista queer/cuir (término acuñado por Gracia Trujillo) que se evidenciará en algunos hitos como la celebración de las Jornadas Feministas de Madrid de 1993, consideradas como las primeras Jornadas Feministas transincluyentes (conocidas como las «Jornadas de la diversidad») y de las que se originará el colectivo LSD (Lesbianas Se Definen).n año más tarde, se organizaron las Jornadas de Euskadi de las que surgió el colectivo Erreakzioa-Reacción. Todos estos «artivismos» (en palabras de Mª Ángeles Alcántara) como «DIY» (Do It Yourself) o fanzines inspirados en las Riot grrrls, que nos servirán como base metodológica para analizar los principales desafíos a los que se enfrentaron los movimientos feministas.

Además, paralelamente, desde este corpus genealógico e historiográfico feminista-queer podremos analizar algunas de las prácticas artísticas de estos años, de diverso formato y tipología, que conformarán una generación de artistas que apostarán por una iconografía compartida (casi) inédita en el Estado español.

Palabras clave: feminismos, queer, historia, Estado español, arte contemporáneo, años noventa, genealogías.

Bibliografía:
Alcántara Sánchez, María Ángeles, (2016), “Una archiva del DIY: autoedición y autogestión en artivismo feminista; entre anarchivos sentimentales y cuir” en SOBRE: Prácticas artísticas y políticas de la edición N02, pp. 119-130.
Gil, Silvia L., (2011), Nuevos feminismos. Sentidos comunes en la dispersión. Una historia de trayectorias y rupturas en el Estado español, Madrid, Traficantes de Sueños.
Mantecón Moreno, Marta, (2010), “Tú tampoco tienes nada. Arte feminista y de género en la España de los 90” en Anales de Historia del Arte, Volumen Extraordinario, pp. 153-167.
Trujillo, Gracia, (2009), Deseo y resistencia. Treinta años de movilización lesbiana en el Estado español, Barcelona-Madrid, Egales.
Vieites García, Azucena, (2017), “Erreakzioa-reacción. Una propuesta de colaboración DIY entre el arte y el feminismo” en Accesos: prácticas artísticas y formas de conocimiento contemporáneos, nº 1, (2017), pp. 40-47.
Villa, Rocío de la, (2013), “En torno a la generación de los noventa” en Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010, Aliaga, Juan Vicente y Mayayo, Patricia (ed.), Madrid, This Side Up, pp. 261-274.

Preside: Laura Oliván Santaliestra, Universidad de Granada.

Comunicantes:
15:30-15:40H: MARTHA EASTON (St. Joseph’s University, Filadelfia). ‘Courtly Love’ Ivories, Female Agency, and Feminist Scholarship.

This paper will focus on changing perceptions of the iconography of Gothic ivories with themes of so-called “courtly love.” Earlier scholarship on Gothic ivories often focused on the precise description of objects, stylistic comparisons with other surviving ivories, and possible identifications of textual sources. More recently, scholars have considered the audience and ownership of secular ivories, especially how women would have used these objects and understood this imagery. Some images, rather than being innocuous scenes of romantic lovers, actually participate in the type of rape culture that is evident in other medieval literary and artistic traditions (the fabliaux, for example). Yet in addition to oppression, perhaps there is a
way to see female agency in “courtly love” iconography. In many scenes of heterosexual couples playing chess, the women appear to be winning as they hold captured pieces in their hand, and at least in some cases women seem to be in control of their romantic encounters. Even in scenes where the “woman on top” theme is played as a joke (such as Phyllis riding Aristotle), this is a place where a female owner/viewer could still find a place for pride and power. And yet in contrast to the popular idea that most “courtly love” ivories probably belonged to women, the provenance history of many of them suggests that they ended up in the private collections of men, before being transferred to museums. How might this collection history have affected scholarly access and opinion?

Key words: courtly love; Gothic ivories; female agency

Main sources:
Paula Mae Carns, “Remembering Floire et Blancheflor: Gothic Secular Ivories and the Arts of Memory,” Studies in Iconography 32 (2011): 121-54.
Madeline H. Caviness, Women in the Middle Ages: Sight, Spectacle, and Scopic Economy (Philadelphia: University of Pennsylvania Press, 2001).
Sarah M. Guérin, French Gothic Ivories: Material Theologies and the Sculptor’s Craft (Cambridge: Cambridge University Press, 2022).
Naomi Reed Kline, “From Harmonious to ‘Rough’ Music on Late Medieval Boxes,” in The Profane Arts: Norms and Transgressions, ed. Naomi Reed Kline and Paul Hardwick (Turnhout, Belgium: Brepols, 2016), 111-28.
Diane Wolfthal, “The Sexuality of the Medieval Comb,” in Thresholds of Medieval Visual Culture: Liminal Spaces, ed. Elina Gertsman and Jill Stevenson (Woodbridge and Rochester: Boydell Press, 2012), 176-94.

15:40-15:50H: CAROLINA SACRISTÁN RAMÍREZ (Tecnológico de Monterrey). Iconografía jesuita en clave femenina: el músico divino desde la vida de Mariana de Jesús, Azucena de Quito.

El papel de las mujeres en la creación de imágenes para su devoción personal es un tema relativamente inexplorado en el arte virreinal hispanoamericano. Este trabajo propone una aproximación en este campo; interpreta un cuadro anónimo que representa a El Niño Jesús redentor, tomando como clave de lectura la vida de Mariana de Mariana Jesús Paredes, Azucena de Quito, santa reconocida por su talento para la música. Sostengo que el cuadro, considerado por estudiosos como S. Sebastián y S. Moreno como una de las pinturas más enigmáticas producidas en la Nueva España, reconfigura la compleja iconografía jesuita de Cristo músico desde lo femenino. Se trata de una representación que recurre al elemento sonoro para expresar la intensidad de los afectos de la mujer religiosa, intención que está ausente en el modelo de Mariana de Jesús como virgen penitente establecida por los pintores jesuitas. La obra es una evidencia excepcional de la agencia femenina en la construcción de una imagen que refleja el pensamiento simbólico, la sensibilidad y los conocimientos musicales de una mujer de identidad todavía desconocida, pero cuyas afinidades con la santa quiteña resultan significativas, hasta el punto de poner en entredicho el supuesto origen novohispano de la obra y plantear la posibilidad
de que esta provenga de los virreinatos sudamericanos.

Palabras clave: Mariana de Jesús Paredes; Cristo músico; virreinatos americanos; iconografía jesuita.

Bibliografía:
Gutiérrez Chong, Natividad. «La construcción del heroísmo de Mariana de Jesús: identidad nacional y sufrimiento colectivo.» Íconos. Revista de Ciencias sociales, nº 37 (2010): 149-161.
L.L.S. Los procesos de beatificación de la Azucena de Quito. Quito, 1891.
Morán de Butrón, Jacinto. La azucena de Quito que brotó el florido campo de la iglesia de las indias occidentales de los reinos del Perú y cultivó con los esmeros de su enseñanza la Compañía de Jesús. Madrid: Don Gabriel del Barrio, 1724.
Nalle, Sara T. «Private Devotion, Personal Space. Religious Images in Domestic Context.» En La imagen religiosa en la Monarquía hispánica. Usos y espacios, editado por María Cruz de Carlos Varaona. Madrid: Casa de Velázquez, 2008.
Rodríguez de la Flor, Fernando. De Cristo: dos fantasías iconológicas. Madrid: Abada, 2011.
Sebastián, Santiago. El barroco iberoamericano. Mensaje iconográfico. Madrid: Encuentro, 1990.
Tena Ramírez, Carmen de. Mortificación y martirio. La espiritualidad de los jesuitas en la imagen de Santa Mariana de Jesús, Azucena de Quito. Vol. II, de A la luz de Roma. Santos y santidad en el barroco iberoamericano, 291-312. Sevilla: Roma Tre / Universidad Pablo Olavide, 2020.

15:50-16:00H: DIEGO HERRERO GARCÍA (UVa). La reina, la embajadora y la monja. Diplomacia material en femenino entre sor Margarita de la Cruz (1567-1633) y Ana de Dinamarca (1574-1619)

Hasta la fecha, la historiografía en torno a las relaciones diplomáticas entre las Casas de Austria y Estuardo durante el siglo XVII ha atendido casi exclusivamente al estudio de agentes masculinos y sus formas de comunicación escrita. No obstante, mujeres adscritas a ambas dinastías también intervinieron en la negociación hispano-inglesa valiéndose del intercambio de elementos de cultura material. Un ejemplo de ello lo encontramos en el episodio de diplomacia material protagonizado en 1615 por la infanta-monja sor Margarita de la Cruz y la reina consorte inglesa Ana de Dinamarca, dos personajes cuya participación en las relaciones exteriores de su tiempo solo ha empezado a ser examinada en profundidad en las dos últimas décadas. La permuta de presentes, posibilitada por lady Digby, «embaxadora» inglesa en Madrid, da cuenta del establecimiento de circuitos diplomáticos femeninos paralelos, pero al mismo tiempo profundamente imbricados en la negociación general, asumida tradicionalmente por defecto como masculina. En este sentido, un análisis detallado y contextual de los bienes intercambiados revela la sutileza de los mensajes político-dinásticos que portaban estos mediadores personales o individualizados, íntimamente ligados a las grandes cuestiones que vertebraban las relaciones hispano-inglesas durante el primer cuarto del siglo XVII.

Palabras clave: Nueva Historia Diplomática, Historia de Género, Reginalidad, Embajadoras, Felipe III, Inglaterra Estuardo

Bibliografía:
Gascón de Torquemada, Gerónimo y Gascón de Tiedra, Gerónimo, Gaçeta y Nuevas de la Corte de España desde el año 1600 en adelante, Madrid, 1991.
Heredia Moreno, María del Carmen y Ogáyar, Juana Hidalgo, «Intercambio de regalos entre la realeza europea y mercedes reales por servicios prestados a la corona (1621-1640)», De Arte. Revista de Historia del Arte, 15 (2016): 150-167.
Rudolph, Harriet, «Entangled Objects and Hybrid Practices? Material Culture as a New Approach to the History of Diplomacy», en Harriet Rudolph y Gregor M. Metzig (eds.), Material Culture in Modern Diplomacy from the 15th to the 20th Century, Berlín, 2016: 1-28.
Sánchez, Magdalena S., The Empress, the Queen and the Nun. Women and Power at the Court of Philip III of Spain, Baltimore, 1998.
Sánchez, Magdalena S., «Where Palace and Convent Met: The Descalzas Reales in Madrid», The Sixteenth Century Journal, 46/1 (2015): 53-82.
Sowerby, Tracey A., «Early modern queens consort and dowager and diplomatic gifts», Women’s History Review, 30/5 (2021): 723-737.

16:00-16:10H: ZI WANG (Central Academy of Fine Arts, Beijing). Virtues and Women in Medieval Illustrations: The Book of the City of Ladies and the Ladies’. Classic of Filial Piety in a Comparative Lens.

The portrayal of abstract virtues through visual imagery has long been a tradition in classical and medieval art, particularly evident in illuminated manuscripts. In European allegorical tradition, virtues often took the form of personified female figures. However, this practice of personifying
female virtue suggests that virtue itself was perceived as separate from women’s moral agency, reinforcing a male-centric perspective. It wasn’t until the early fifteenth century, with Christine de Pizan’s groundbreaking work, The Book of the City of Ladies, that women not only became
authors wielding literary power but also emerged as virtuous subjects in their own right. Similarly, in medieval China, women began to assume roles as both writers and subjects of moral literature and visual art. The Ladies’ Classic of Filial Piety, traditionally attributed to a woman named Cheng from the mid-Tang dynasty, provides another significant example. This text, consisting of eighteen chapters, served as a popular subject for illustrated handscrolls, each depicting a moral lesson alongside accompanying texts. Scholar Julia K. Murray’s analysis suggests that the Ladies’ Classic of Filial Piety promotes a strict Confucian code of conduct for women. However, it raises questions about whether the moral standards imposed on women reflect Chinese Confucian tradition or a broader patriarchal ideology transcending cultural boundaries. This essay aims to explore the similarities and differences in the depiction of women in these medieval illustrations, probing whether they represent a reinforcement of patriarchal norms or a subversion of societal constraints.

Key words: virtues, women, medieval illustrations, Christine de Pizan, Ladies’; Classic of Filial Piety

Bibliography:
Dufresne, Laura Rinaldi. The Fifteenth Century Illustrations of Christine De Pizan’s the Book of the City of Ladies and the Treasure of the City of Ladies: Analyzing the Relation of the Pictures to the Text. Edwin Mellen Press, 2011.
Ferrante, Joan M. Woman as Image in Medieval Literature: From the Twelfth Century to Dante. Labyrinth Press, 1995.
Hicks, Eric. ed. with Diego Gonzalez and Philippe Simon. Au champ des escriptures, IIIe Colloque international sur Christine de Pizano Lausanne, 18-22 juillet 1998. Etudes Christiniennes, 6. Paris: Honore Champion, 2000.
Katzenellenbogen, Adolf. Allegories of the Virtues and Vices in Mediaeval Art From Early Christian Times to the Thirteenth Century. 1964.
Murray, Julia K. “The Ladies’ Classic of Filial Piety and Sung Textual Illustration: Problems of Reconstruction and Artistic Context.” Ars Orientalis, vol. 18, 1988, pp. 95–129.
Murray, Julia K. Mirror of Morality : Chinese Narrative Illustration and Confucian Ideology. Honolulu: University of Hawaii Press, 2007.
Quilligan, Maureen. The Allegory of Female Authority: Christine De Pizan’s “Cité Des Dames.” Cornell UP, 1991.
Raphals, Lisa Ann. Sharing the Light : Representations of Women and Virtue In Early China. Albany, N.Y.: State University of New York Press, 1998.
Wu, Hong. Feminine Space in Chinese Painting. SDX Joint Publishing Company, 2019.

16:10-16:20H: AMAIA NAUSIA PIMOULIER (UPN). Las viudas navarras y los gremios de artesanos en la primera Edad Moderna: una historia de resistencia.

Desde el periodo medieval –época en la que se permitía a las mujeres tener acceso a un aprendizaje formal y, en consecuencia, alcanzar la maestría– los gremios fueron restringiendo el aprendizaje de las mujeres. Como el gremio exigía un período de preparación con el que se alcanzaba la oficialía y después la maestría, desde el momento en el que se negó la formación a las mujeres se cerró su acceso al gremio. Las mujeres tuvieron que esperar hasta finales de la Edad Moderna para ver derogadas, al menos en parte y siempre que se ajustasen a las ‘labores propias de su sexo’, estas restricciones.

A pesar de estas limitaciones, las mujeres siguieron trabajando en el mundo artesanal; las familias de artesanos no podían prescindir de los ingresos extras que ellas aportaban, aunque éstas quedasen relegadas a estar bajo la autoridad masculina al ejercer su oficio. Pero fueron las viudas, a las que el gremio permitió ciertas concesiones -como el mantener el taller abierto durante el año de luto-, quienes tendieron a romper las restricciones gremiales que el resto de mujeres sufrían. Esta ponencia pretende ahondar a través del estudio de los procesos judiciales del Archivo General de Navarra en su sección Tribunales Reales, en la agencia que las viudas tuvieron en el mundo artesanal; ante la prohibición de los gremios para dirigir talleres y tiendas artesanales, las viudas navarras de los siglos XVI y XVII interpusieron numerosos pleitos para, más allá del año de luto, poder continuar al frente de sus talleres. El estudio de estos procesos judiciales sirve por lo tanto para conocer las pequeñas o grandes luchas diarias que las mujeres de la primera Edad Moderna en un mundo en progresiva masculinización como fue el artesanal.

Palabras clave: mujer, viudas, Edad Moderna, gremios, mundo artesanal, tribunales

Principales fuentes de investigación: Archivo Real y General de Navarra, Sección Tribunales Reales (Corte Mayor y Consejo Real), Procesos; Estatutos de los gremios navarros del siglo XVI y XVII; Novísima Recopilación de las Leyes del Reino de Navarra.

Bibliografía:

Carbonell Esteller, Montserrat, «Hecho y representación sobre la desvalorización del trabajo de las mujeres (siglos XVI-XVIII)», en Sánchez, C. (ed.), Mujeres y hombres en la formación del pensamiento Occidental: actas de las VII jornadas de investigación interdisciplinaria, Madrid, Universidad Autónoma, 1989, pp. 157-171.
Del Val Valdivieso, María Isabel, «Los espacios del trabajo femenino en la Castilla del siglo XV», en Studia histórica. Historia medieval, Nº 26, 2008, pp. 63-90.
Hidalgo Fernández, Francisco, «Mujeres, artesanía y gremios», en Los trabajos de las mujeres en la Edad Moderna: Centro de interés para el diseño de situaciones de aprendizaje, coord.. por María José Ortega Chinchilla y Raúl Ruiz Álvarez, 2023, pp. 110-115.
López Barahona, Victoria, «Mujeres y trabajo en la Edad Moderna. Una perspectiva desde la acumulación originaria», en Nuestra Historia: revista de Historia de la FIM, Nº 10, 2020, pp. 25-48.
Núñez de Cepeda y Ortega, M., Los antiguos gremios y cofradías de Pamplona, Pamplona, Imprenta Diocesana, 1948.
Ramiro Moya, Francisco, «Mujer y trabajo en los gremios de la Zaragoza del Antiguo Régimen», Revista de Historia Jerónimo Zurita, 76-77, 2001-2002, pp. 159-170.
Solà i Parera, M. Ángeles (coord.), Artesanos, gremios y género en el sur de Europa (siglos XVI-XIX), Icaria, 2019.
Vara, M. J. – Maquieira D’Angelo, V. (coord.s), El trabajo de las mujeres: siglos XVI-XX. VI Jornadas de Investigación Interdisciplinaria sobre la mujer, Madrid, Universidad Autónoma, Seminario de Estudios de la mujer, 1987.

Preside: Antonia Fernández Valencia, Universidad Complutense de Madrid.

Comunicantes:
17:00-17:10H: JAVIER IÁÑEZ PICAZO (UCM). Los márgenes del discurso y la página: pensar la cultura impresa desde el archivo y la historia del arte feministas

Desde finales de los noventa y comienzos del nuevo milenio se han producido diversos intentos para legitimar el estudio de la cultura impresa —y, más específicamente, de las revistas— como objeto de estudio diferenciado en el ámbito académico (Latham y Scholes, 2006). No obstante, a menudo se olvida que este impulso resulta inseparable del giro feminista en el estudio de las fuentes visuales debido a la convergencia de dos fenómenos
coetáneos: el rescate de la revista como artefacto cultural marginado por la historiografía canónica del arte y el consecuente «giro archivístico» que se produjo en la investigación feminista (Eichhorn, 2013). Partiendo de la idea de que la historia del arte no sólo se compone de artefactos visuales, sino que es también una historia de las publicaciones periódicas que conforman las redes de producción y difusión artísticas del momento (Horne, 2019), se propone una aproximación interdisciplinar que busca desarticular el canon para operar desde los márgenes, en los vacíos discursivos que ha ido generando la narrativa dominante (Horne y Perry, 2017). Así, la intervención busca repensar la producción artística a partir de una práctica archivística e histórica de la cultura impresa, apoyándonos en una apertura metodológica y feminista propiciada por un amplio conjunto de autoras entre los periodical studies, los estudios visuales y los estudios materiales, conceptualizando la revista como un agente fundamental en las esferas del arte desde la modernidad hasta nuestros días: reivindicándola como «objeto multidimensional» que despliega una materialidad y visualidad
características (Mendelson, 2008); como generadora de «vanguardias provisionales» que se entretejen mediante redes comunitarias de lectoras y consumidoras (Seita, 2019); como espacio alternativo para la creación y difusión de arte (Allen, 2011; Boivent, 2015); y, finalmente, como documento activo de memoria cultural que permite el despliegue de otras historiografías posibles (Hermosilla, 2023).

Palabras clave: Cultura impresa, Estudios visuales, Giro archivístico, Historia del arte feminista, Periodical studies, Revistas.

Bibliografía:
Allen, Gwen. Artists’ Magazines: An Alternative Space for Art (Cambridge: The MIT Press, 2011).
Boivent, Marie. La revue d’artiste: enjeux et stratégies d’une pratique artistique (Rennes: Éditions Incertain Sens, 2015).
Eichhorn, Kate. The Archival Turn in Feminism: Outrage in Order (Filadelfia: Temple University Press, 2013).
Hermosilla, Daniela. Revistas de artista: reflexiones desde su legado documental (Santiago de Chile: Metales Pesados, 2023).
Horne, Victoria. «Danger! Women Reading: Feminist Encounters with Art, History and Theory», Women: A Cultural Review vol. 30 no. 3 (2019): 221-230.
Latham, Sean y Robert Scholes, «The Rise of Periodical Studies», PMLA vol. 121, no. 2 (marzo de 2006): 517-31.
Mendelson, Jordana (ed.). Revistas, modernidad y guerra (Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2008).
Seita, Sophie. Provisional Avant-Gardes: Little Magazine Communities from Dada to Digital (California: Stanford University Press, 2019).

17:10-17:20H: BELÉN RUIZ GARRIDO (UMA). Cómo construir un catálogo fuera del canon. Otredad, autoría y desaparición en la identidad artística de Flora López Castrillo.

La perspectiva feminista confecciona el tejido procedimental y crítico indispensable para revelar interrogantes, problematizando la construcción historiográfica de la identidad de las mujeres artistas. Solo replanteando las preguntas, reformulando narrativas, perturbando los discursos y las miradas, se pueden concebir percepciones que cuestionen y deconstruyan los relatos hegemónicos excluyentes. Categorías como canon, paradigma, autoría, identidad o calidad, entre otras, se revelan como construcciones selectivas amparadas en una pretendida y naturalizada universalidad. Desvelarlos proporciona una necesaria conciencia crítica y ayuda a enunciar la naturaleza de algunos de esos mecanismos e instrumentos de desenvoltura investigadora.

A partir de estos pilares teóricos, el estudio se fundamenta en el caso concreto de la artista y profesora Flora López Castrillo (Madrid, 1878-1952), con objeto, además, de reflexionar sobre la experiencia investigadora feminista y sus retos. Consciente de la vigente necesidad de abordar el estudio de autoras desconocidas, poco y sesgadamente tratadas, u olvidadas, esta labor solo tendrá sentido si supone subvertir el relato canónico de la historia del arte. El proceso de edificación –o reconstrucción– de la identidad artística de Flora López Castrillo se vincula con una serie de fundamentos que, en su caso, resultan decisivos y sobre los que se cimenta este itinerario: la confusión en las fuentes sobre nombre y apellidos; la dificultad de
rastrear su obra, hasta ahora escasa, ilocalizable o perdida; la aparente falta de autonomía artística provocada por los condicionantes de ser considerada eterna discípula y posible pareja sentimental de Antonio Muñoz Degrain, un artista reconocido; los juicios críticos sesgados que cualifican su obra como compartida, subsidiaria, dudosa y, siempre, deficiente en comparación. Configurar una trayectoria personal y profesional en la otredad referencial –“ser la otra”– proyecta connotaciones de amplio calado. Tanto que quizás debamos desestabilizar el concepto de “catálogo”, asociado a valores identitarios y de autoría sin fisuras.

Palabras clave: Flora López Castrillo; revisión historiográfica; identidad artística; autoría; otredad; catálogo.

Bibliografía:
Haizea Barcenilla, “Exponer para historiar. Nuevos relatos feministas”, en Rocío de la Villa (comis.), Maestras, cat. exp., Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, 2023, pp. 48-55.
Estrella de Diego, “En torno al concepto de calidad y otras falsedades del discurso impuesto”, en C. G. Navarro (ed.), Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931), cat. exp., Museo Nacional del Prado, Madrid, 2020, pp. 25-39.
Teresa de Lauretis, Technologies of Gender: Essays on Theory, Film, and Fiction, 1987.
Patricia Mayayo, Historias de mujeres, historias del arte, Madrid, Cátedra, 2007.
Griselda Pollock (1988), Visión y diferencia. Feminismo, feminidad e historias del arte, Fiordo, Buenos Aires, 2013.
— (1999), Diferenciando el canon. El deseo feminista y la escritura de las historias del arte, Madrid, Producciones de arte y pensamiento, 2022.
Joanna Russ (1983), Cómo acabar con la escritura de las mujeres, Dos Bigotes / Barrett, Sevilla, 2018.

17:20-17:30H: CLARA SOLBES BORJA (UV). Retales de vida: archivos personales de artistas mujeres

La historiografía artística feminista puso sobre la mesa la necesidad no solo de añadir sujetos femeninos a los relatos históricos, sino de replantear las metodologías, las fuentes y las estructuras de las disciplinas históricas desde su raíz. A menudo, cuando estudiamos sujetos subalternos, resulta complejo encontrar sus huellas en los archivos oficiales y, en el caso de las artistas, sus obras en instituciones museográficas. La historiadora del arte Griselda Pollock, de hecho, denomina “patriarchivo” a los objetos y documentos habitualmente estudiados por la Historia del Arte. Sin la pretensión de construir una suerte de “contra-archivo” relativo a las mujeres y que sencillamente complemente al archivo oficial, es necesario indagar en la búsqueda de otras fuentes, de otros lugares en los que encontrar las huellas que las mujeres dejaron y buscar los espacios en los que construyeron sus memorias. Es por ello que en la comunicación se reflexionará sobre una de las grandes aportaciones del feminismo a la historiografía, la ampliación de las fuentes documentales y visuales, a partir del estudio de caso de algunos archivos personales de mujeres vinculadas al campo artístico valenciano durante el franquismo. Carmen Grau, Cristina Navarro, Carmen Lloret, Carmen Mateu, Maite Miralles, María Montes, María Luisa Pérez Rodríguez, Pilar Roig, Rosa Torres o Aurora Valero, entre otras, nos abrieron las puertas de sus recuerdos, de su memoria y de su historia a partir de fotografías, escritos, dibujos, pinturas o notas que conservaban. Todo ello será analizado y problematizado para cuestionar los discursos sobre los registros que conservamos del pasado desde una perspectiva feminista.

Palabras clave: fuentes, archivos personales, feminismos, género, mujeres artistas

17:30-17:40H: ALEJANDRA CRESCENTINO (UAM; en nombre de Graciela Taquini). Plataforma Legado.ar – Un archivo vivo.

Legado.ar es un proyecto cultural independiente y autogestivo creado en marzo de 2020 por la artista, historiadora y curadora Graciela Taquini junto con un equipo interdisciplinario de especialistas.

A partir de una memoria curatorial colectiva, se constituye un “archivo vivo” en construcción, con perspectiva de género, que rescata, pone en valor, investiga, interpreta y difunde expresiones realizadas por artistas argentinas en el campo del audiovisual experimental y las artes tecnológicas.

Legado.ar es una plataforma digital abierta a la comunidad que desarrolla propuestas teóricas, curatoriales, artísticas, educativas, sociales y de divulgación.

El audiovisual experimental es un medio de gran accesibilidad, su digitalización permite la circulación y el intercambio, más allá de los espacios tradicionales de exhibición. Vehículo de ideas, apto para manifestaciones contraculturales y poéticas de la subjetividad fuera del canon, Legado.ar propone ampliar su historia y presencia en la escena del arte contemporáneo. Asimismo, considera el arte y la tecnología como generadores de imaginarios y pensamientos que pueden ser interpretados desde el campo de la historia del arte, así como desde la crítica feminista.

El abordaje del archivo se enfoca en la investigación, análisis y escritura a partir de un recorte y mapeo temático con influencia warburgriana en perspectiva de géneros.

Desde el inicio del proyecto está abierta una encuesta que recupera el recorrido profesional y de formación de artistas audiovisuales, investigadoras y gestoras en primera persona.

Se propone profundizar en una comunicación artístico – teórica de investigación, análisis y visualización de datos.

El propósito de Legado.ar es no consagrar lo consagrado, con una mirada amplia, rigurosa y desjerarquizada, enfocándose especialmente en los deltas del arte más allá del mainstream, el mercado y lo hegemónico, como gesto político en un amplio sentido, que incluye la preservación y cuidado de una memoria común.

Palabras clave: arte, tecnología, archivo vivo, audiovisual experimental.

Fuentes:
Plataforma Legado: https://www.legado.ar/
Taquini, Graciela. Legado. Buenos Aires. 2023. ISBN 978-987-88-8835-4 1. https://www.legado.ar/libro-legado/
Garavelli, Clara. Video experimental argentino contemporáneo: Una cartografía crítica, Buenos Aires: Eduntref, 2014, 326 pp. 2015. ISBN: 9789871889471.
Baigorri, Laura Vídeo en Latinoamérica. Una historia crítica. Editora. Brumaria 10. Asociación Cultural Brumaria y Red de Centros Culturales de España de AECID, ISBN: 978-84-8347-072-5

17:40-17:50H: IRENE MARTÍN PUERTA (UGR). En dos actos: Genealogías matrilineales y fabulaciones afrofeministas en los archivos de la diáspora atlántica

Las dinámicas del archivo, como instrumento y espacio que custodia el saber histórico occidental, están siendo cuestionadas desde la creación artística en sus omisiones y en la unilateralidad de sus narrativas, en un proceso decolonizador que propone aplicar sistemas de conocimiento alternativos (Enwezor, 2008; Hartman, 2008; Sharpe, 2016). ¿Es posible renarrar historias que involucran exclusiones deliberadas, o bien, que han sido articuladas desde una posición de poder que deshumaniza al otro? Creadoras visuales afrodescendientes de todos los puntos del entorno atlántico exploran los intersticios de los archivos del Pasaje del Medio y del llamado “más allá” de la esclavitud (afterlife of slavery, Hartman, 2007), como punto de partida para otros relatos y espacios de posibilidad.

La propuesta examinará las intervenciones de una selección de artistas afrodescendientes en los mencionados archivos, en dos líneas: En primer lugar, se atenderá la generación, conservación e investigación artística de los archivos fotográficos familiares como modo de afirmación de genealogías matrilineales (Noxolo, 2020) y alternativas (Bonsu, 2023), partiendo de las consideraciones de bell hooks (1995) sobre cómo este medio funciona como espacio de decolonización de la memoria en la cotidianidad y, ulteriormente, como forma de reparación histórica. En segundo lugar, tomando como base el marco de la fabulación crítica de Saidiya Hartman (2008), se analizarán trabajos que exploran las posibilidades de expansión
de los archivos de la esclavitud y el colonialismo mediante la ficción y lo especulativo, tensionando la autoridad histórica del documento. Estas prácticas desestabilizan el concepto hegemónico del archivo, pluralizan sus historias e incorporan las voces silenciadas de las mujeres de la diáspora africana que nos hablan desde la experiencia y la imaginación cotidianas: Convierten a las creadoras en custodias y gestoras de lo que Hall (2001) denomina el Archivo Vivo, que reimagina el pasado desde el presente para poder construir nuevos futuros.

Palabras clave: Archivos audiovisuales, afrodescendientes, esclavitud, colonialismo, genealogía, ficción especulativa

Bibliografía:
Bonsu, O. (Ed.) (2023). A World in Common: Contemporary African Photography [Catálogo de Exposición]. Tate.
Enwezor, O. (2008). Archive Fever: Uses of the Document in Contemporary Art [Catálogo de Exposición]. International Center of Photography / Steidl Publishers.
Hall, S. (2001). Constituting an Archive. Third Text, 15(54), 89–92. https://doi.org/10.1080/09528820108576903
Hartman, S. (2007). Lose Your Mother. A Journey Along the Atlantic Slave Route. Farrar, Strauss and Giroux.
Hartman, S. (2008). Venus in Two Acts. Small Axe: A Caribbean Journal of Criticism, 12(2), 1–14. https://doi.org/10.1215/-12-2-1
hooks, b. (1995). Art on my mind. Visual politics. The New Press.
Noxolo, P. (2020). I am becoming my mother: (post)diaspora, local entanglements and entangled locals. African and Black Diaspora: An International Journal, 13(2), 134–146. https://doi.org/10.1080/17528631.2020.1751411
Sharpe, C. (2016). In the Wake: On Blackness and Being. Duke University Press.

Preside: Jonatan Jair López Muñoz, Universidad de Zaragoza.

Comunicantes:
17:00-17:10H: AGNÈS GARCÍA-VENTURA (UAB). ¿Detrás de un gran hombre? Acerca de la invisibilidad de las mujeres en la configuración de las colecciones de los museos de reproducciones artísticas de Madrid y de Bilbao.

El Museo de Reproducciones Artísticas de Madrid y el Museo de Reproducciones de Bilbao son los dos únicos centros dedicados exclusivamente a las copias artísticas en la Península Ibérica que, desde su fundación, incluyeron vaciados de esculturas y relieves del antiguo Egipto y de Mesopotamia en sus colecciones. Esta decisión era excepcional, puesto que el núcleo fundamental de los museos de reproducciones, en auge a finales del siglo XIX e
inicios del siglo XX, lo configuraba la Antigüedad clásica y el Renacimiento italiano. Para entender mejor esta excepcionalidad, en los últimos años se ha llevado a cabo un proyecto de investigación para el que se ha partido del estudio de documentos de archivo relacionados con ambas instituciones, sobre todo correspondencia, en buena parte inédita. Quienes envían y reciben las cartas tienen perfiles profesionales muy variados: desde directores de museos y conservadores a personal de administración, escultores o mecenas. Pese a esta aparente variedad, todos ellos tienen en común que son hombres. Y es que en el caso de estudio que nos concierne, no hay mujeres en estos cargos o ámbitos profesionales.

Pero como bien sabemos, eso no significa que estuvieran ausentes. Hasta día de hoy se han podido identificar dos mujeres que incidieron en la configuración de las colecciones de Madrid y de Bilbao: Emilia Gayangos de Riaño y Juana Lund Ugarte respectivamente. En esta comunicación se pondrá en valor su contribución tomando como punto de partida un pequeño conjunto de documentos de los archivos de la Saatsbibliothek zu Berlin y del Museo de Reproducciones de Bilbao. La presentación de estos documentos, además, permitirá reflexionar acerca del triple proceso de invisibilización que a menudo sufren estas mujeres: en las fuentes primarias, en los archivos y en la historiografía.

Palabras clave: archivos; Emilia Gayangos de Riaño; historia de las colecciones; Juana Lund Ugarte; museos de reproducciones.

Fuentes:
Archivos: Museo de Reproducciones de Bilbao; Staatsbibliothek du Berlin, Nachlass Emil Hübner.
Bibliografía:
Campano, Alberto. 2023. “The Collection of the Museo Nacional de Reproducciones Artísticas, now in the Museo Nacional de Escultura 1877–2021”. Ge-Conservación 23: 148-155.
Garcia-Ventura, Agnès. 2022. “La antigua Mesopotamia en el Museo de Reproducciones de Bilbao: una aproximación historiográfica”. Aula Orientalis 40, 1: 43-70.
Garcia-Ventura, Agnès. 2023. “Museos de reproducciones, difusión arqueológica y relaciones internacionales: una aproximación a partir de la correspondencia entre Juan Facundo Riaño y Emil Hübner”. Madrider Mitteilungen 64: 470-489.
Muñoz González, Ignacio A. 2016. Arqueología y política en España en la segunda mitad del siglo XIX: Juan Facundo Riaño y Montero. Madrid: Tesis Doctoral, Universidad Autónoma de Madrid.
Peña Puente, Saturnina. 2006. La importancia histórico-artística de la copia y la reproducción escultórica. Coleccionismo, exhibición y educación artística. Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao. Bilbao: Tesis doctoral, Departamento de Historia del Arte y Música, Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea.
Saiz Viadero, José Ramón. 2000. “La Bilbaína Juana Lund Ugarte, algo más que un personaje galdosiano”. Bilbao 136: IV.

17:10-17:20H: MERCEDES VALDIVIESO RODRIGO (UdL). El Museo oculto de Berlín. Una iniciativa pionera que dio visibilidad a las artistas.

El “Museo oculto” (Das verborgene Museum), como reza la traducción literal de su nombre en alemán, se fundó en Berlín, en 1986, con el objetivo de dar a conocer la obra de mujeres artistas. Durante más de 35 años, mostró en su pequeña galería, en el distrito de Charlottenburg, la obra de más de 100 artistas, tanto pintoras, como escultoras, arquitectas o fotógrafas, nacidas, principalmente, a partir de 1900. De un patio trasero (típico del urbanismo berlinés), donde se hallaba medio oculto el edificio, ha pasado a formar parte, en 2022, de un organismo oficial, la Berlinische Gallerie. Su gran archivo ha encontrado aquí una nueva sede, amén de los medios para dar continuidad a la investigación y a la visualización de las
mujeres artistas. De esta forma, ha quedado garantizada la pervivencia de esta singular iniciativa pionera, más allá del impulso y de la vida de sus promotoras Marion Beckers y Elisabeth Moortgat.

El objetivo de mi comunicación es dar a conocer esta institución, su trayectoria y su labor pionera al sacar a la luz, por primera vez, a numerosas artistas, que sin esta iniciativa hubiesen permanecido ocultas por más tiempo o incluso para siempre. Entre las mujeres artistas “rescatadas”, a través de una exposición, se encuentran muchas fotógrafas, que estuvieron activas durante la época de la República de Weimar, como por ejemplo, Marianne Breslauer (1986), Lotte Jacobi (1989), Éva Besnyő (1991), Gertrud Arndt (1991), Gerta Taro (1995) y así un largo etcétera. También ha contribuido, de forma decisiva, a dar visibilidad a pintoras como Lotte Laserstein (1898-1993).

Palabras clave: arte, museo, exposiciones, mujeres artistas, fotógrafas, archivo, feministas

Fuentes: entrevistas con las artífices de Das verborgene Museum, Marion Beckers y Elisabeth Moortgat, así como con Ralf Burmeister, director de los archivos de la Berlinische Gallerie

17:20-17:30H: ANA AMIGO REQUEJO Y ALEJANDRA PALAFOX MENEGAZZI (UCM/UGR). Esto (no) es un museo. Esclavitud femenina y cultura visual en los museos españoles

El propósito de esta comunicación es abordar la problemática representación del giro epistémico feminista y decolonial en los museos españoles. Para ello, se ha elegido un objeto de estudio en el se superponen ambos debates: la representación de mujeres esclavizadas. Partimos de tres obras visuales elaboradas entre 1780 y 1883, periodo en el que España –pese a otras aboliciones– mantiene vigente la esclavitud en Cuba: el panel cerámico de la cocina del MNAD; Señora principal con su negra esclava, del Museo de América y La Esclava y la Paloma, recientemente adquirida para el Museo Sorolla.

El radical aumento de la actividad y la rentabilidad esclavista-azucarera en las colonias españolas desde finales del siglo XVIII estuvo acompañado por un paulatino incremento de la participación española en el comercio de personas esclavizadas a lo largo del XIX. Pese a los formales intentos por humanizar –contradictoriamente– la institución esclavista, mediante una política de “buen tratamiento”, la esclavitud siguió implicando racialización, sometimiento y violencia, una sujeción de Antiguo Régimen respaldada y cuestionada –casi a partes iguales– entre los círculos ilustrados y liberales del país.

La actual necesidad de incorporar a nuestra memoria colectiva el peso de esta herencia (Martin; Rodrigo y Alharilla), desde narraciones feministas que no vuelvan a violentar a los esclavizados (Hartman) presenta oportunidades y desafíos en el ámbito museístico. Al respecto, desentrañamos aquí algunas de las limitaciones que pueden impedir a los museos traspasar, en el presente, el ámbito de lo meramente programático: la falta de medios humanos y económicos; amenazas y debilidades museológicas (Brulon); y, fundamentalmente, el gran debate sobre la supuesta neutralidad política de los museos (Araujo, Gamboa, van Geert). Concluimos con una propuesta museística desde la que coadyuvar a poner fin a estos –aún
hoy– estruendosos silencios.

Palabras clave: esclavitud femenina; memoria esclavista; cultura visual, museología, siglo XVIII, siglo XIX.

Fuentes:
Bibliografía:
ARAUJO, Ana Lucía. Museums and Atlantic Slavery. Routledge, 2021.
BRULON SOARES, Bruno (ed.) Descolonizando la museología, ICOFOM-ICOM, 2020.
GAMBOA, Micah. «Museum of Modern-Day Slavery: A Photo Essay,» Dignity: A Journal of Analysis of Exploitation and Violence, 3(1), 2018.
HARTMAN, Saidiya. “Venus in Two Acts”. Small Axe, (11-2), 2008.
MARTÍN CASARES, Aurelia (ed.): Esclavitud, mestizaje y abolicionismo en los mundos hispánicos, Granada, Servicio de Publicaciones de la Universidad de Granada, 2015
RODRIGO Y ALHARILLA, Martín. Del olvido a la memoria. La esclavitud en la España contemporánea, Barcelona, Icaria Editorial, 2022.
VAN GEERT, Fabien; ARRIETA, Iñaki; ROIGÉ, Xavier. “Los museos de antropología: del colonialismo al multiculturalismo. Debates y estrategias de
adaptación ante los nuevos retos políticos, científicos y sociales”. Opsis 16(2), 2016, pp. 342-360.

Fuentes visuales:
Museo de América, Albán, Vicente. Señora principal con su negra esclava, 1783.
Museo Nacional de Artes Decorativas, Revestimiento mural, inventario CE05135, 1780-1790.
Museo Sorolla, Sorolla Bastida, Joaquín. La Esclava y la Paloma, 1883.

17:40-17:50H: LAURA ZAMBRINI (UBA). El textil como soporte y poética feminista. Reflexiones sobre el Museo de Arte Latinoamericano de la Ciudad de Buenos Aires.

El objetivo principal de este trabajo es analizar la actual inserción del textil en los museos de arte de la Ciudad de Buenos Aires (Argentina) a partir de obras basadas en poéticas femeninasque buscan formas de resistencias enmarcadas en la cuarta ola feminista. Para ello, se hará foco en el acervo del Museo de Arte Latinoamericano (MALBA). Ya en la década del ´60, algunas artistas feministas (como Judy Chicago y Miriam Schapiro) utilizaron al textil como soporte, expresando a través de la costura, la tejeduría y sus derivaciones algo peculiar sobre las mujeres, los estereotipos, roles y violencias padecidas. Además, era una forma de protesta contra las artes fuertemente vinculadas a las categorías de “genios” y/o “grandes maestros”
desde una concepción masculina. Sin embargo, es reciente la integración plena de los textiles en los museos y salones. Por estas razones, este trabajo parte del supuesto que afirma que, en la cultura occidental, los textiles arrastran cargas simbólicas de género en detrimento de lo femenino en sentido amplio, cuyos orígenes provienen de la organización del mundo europeo, pero que han impactado (e impactan) fuertemente en Latinoamérica a partir de la importación de modelos estéticos y culturales dominantes. Ciertamente, esas jerarquías e imaginarios de género forjaron los soportes ideológicos que posibilitaron el desprestigio del textil: en primer lugar, como un campo legítimo de acción artística, en segundo lugar, como un objeto de estudio relevante y, por último, el oscurecimiento de las mujeres como hacedoras.

Palabras clave: Textiles- feminismo- museo- Ciudad de Buenos Aires.

Fuentes:
Bibliografía:
-Buckley, Cheryl (1999) “Made in Patriarchy: Theories of Women and Design- A Reworking” en Design and Feminism. Re- visioning Spaces, Places and Every Things. London: University Press, pp. 109-118.
-Giunta, Andrea (2018) Feminismo y Arte Latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo. Buenos Aires: Siglo XXI.
-Parker, Rozsika. (1984). The subversive stitch. Embroidery and the making of the feminine. Londres: The Women’s Press.
-Pollock, Griselda (1999) Differencing the canon: feminist Desire and the writing ofart´s histories Londres: Routledege.
-Zambrini, Laura (2021) Retazos de género. La impronta femenina en la moda en Pensar el diseño Devalle, V. (comp.) Buenos Aires: Infinito ediciones.

Fuentes visuales:
-Colección Museo de Arte Latinoamericano (MALBA)

Preside: Olga Fernández López, Universidad Autónoma de Madrid.

Comunicantes:
17:00-17:10H: LAURA SILVESTRE GARCÍA (UV). Imágenes de exposiciones. Una historia de la práctica curatorial con perspectiva feminista en España (1975-2000).

En los últimos años, se ha podido observar un esfuerzo notable por terminar con la discriminación sufrida por las artistas españolas que recibieron tan escasa consideración profesional y valoración social, y que condujo a una visión sesgada de la creación artística contemporánea. Este esfuerzo, encaminado a revertir la situación de la fueron objeto, ha conducido a la programación de exposiciones de artistas mujeres tanto del presente como el pasado reciente, así como a su incipiente incorporación en las colecciones de arte contemporáneo de instituciones públicas y privadas. Estas acciones, abordadas desde una perspectiva feminista, habitualmente han estado enfocadas desde el punto de vista de las mujeres artistas. Pero, ¿qué atención se ha prestado a aquellas mujeres comisarias de exposiciones que también han sustentado la historia y el sistema del arte, al compás de la
evolución política, económica e ideológica de la sociedad española desde la transición democrática? ¿Qué presencia tuvieron en los discursos expositivos y curatoriales? ¿Qué papel desempeñaron en la consolidación del relato artístico transicional y de las décadas de los 80 y los 90? ¿Qué imágenes visuales sobre sus contribuciones han llegado hasta nuestros días? Esta comunicación propone una aproximación a las mujeres comisarias de exposiciones en museos y galerías de arte contemporáneo en España entre 1975 y el año 2000, a través del estudio de las imágenes visuales que dan cuenta de su trayectoria. Comisarias que contribuyeron a conformar un momento histórico para el arte contemporáneo español, que
escapa a cualquier comparación con el ámbito internacional, y que permanece aún incompleto sin la incorporación de sus relatos y archivos visuales. El análisis crítico e historiográfico de los mismos permitirá salvaguardar su legado e incorporarlo a los estudios visuales y curatoriales del presente desde una perspectiva feminista, evitando visiones parcializadas sobre los mismos.

Palabras clave: práctica curatorial, feminismo, imágenes, archivo, exposiciones

Fuentes:
Bibliografía:
[1] Anllo Vento, F. Avance de la publicación: I Informe sobre la aplicación de la Ley de Igualdad en el ámbito de la Cultura dentro del marco competencial del Ministerio de Cultura y Deporte. Madrid: Ministerio de Cultura y Deporte. 2020.
[2] Chadwik, W. Women Art and Society. Londres: Thames and Hudson. 2007.
[3] López Fernández-Cao, M. MAV te observa, entraremos en acción: Las mujeres en el sistema del arte español. Sobre piedras y vientos de igualdad. Investigaciones Feministas, 4, 91-110. 2014.
[4] Mayayo, P. Historias de mujeres, historias de arte. Madrid: Cátedra. 2003.
[5] Mitchell, W.J.T. ¿Qué quieren las imágenes? Una crítica de la cultura visual. España: Sans Soleil Ediciones. 2017.
[6] Obrist, H. U. Breve historia del comisariado. Olivares & Asociados SL / EXIT Publicaciones. 2010.
[7] Parker, R.; Pollock, G. Old Mistresses: Women Art and Ideologies. New York : Pantheon Books. 1981.
[8] Pérez Ibáñez, M., Rodovalho, C. y González, S. Desigualdad de género en el sistema del arte en España. Madrid: Ménades. 2021.
[9] Reilly, M. Activismo en el mundo del arte: Hacia una ética del comisariado artístico. Madrid: Alianza editorial. 2019.

Fuentes de archivo:
[10] Entrevistas personales con Rosina Gómez Baeza, Rosa Santos e Isabel Tejeda (Archivo personal de la autora. Inédito)

17:10-17:20H: ALICIA CARTAGENA GARCÍA-ALCARAZ (UMU). Diferenciando la exposición temporal de mujeres artistas. Influencias, modelos y reflexiones en las pinacotecas nacionales europeas

En 2016, H. Robinson planteaba cómo entre 2005 y 2011 mayoritariamente en Europa se celebraron exposiciones que compartían cuatro claves fundamentales: propuestas retrospectivas en vez de temáticas, relacionadas con la teoría feminista (por su premisa curatorial, o por la selección de artistas y catálogo), que revisaban críticamente este movimiento, y se llevaron a cabo en galerías o museos nacionales. A pesar del marcado
carácter nacional y la cronología no condicionada, gran parte de las “superproducciones feministas” comentadas por la autora fueron desarrolladas en/por instituciones nacionales dedicadas eminentemente al arte contemporáneo. Cabría entonces preguntarse, ¿tuvieron el resto de pinacotecas nacionales europeas un “feminist blockbuster”?

Para responder adecuadamente, debemos atender en primer lugar a dos cuestiones. Por una parte, a la particular idiosincrasia compartida de estas instituciones, cuyas colecciones rozan hasta los albores del siglo XX en Europa. Por otra parte, el capital simbólico y poder exponencial de visibilización que otorga la exposición temporal, que la convierte en el buque insignia del museo que la celebra. Ambos aspectos han sido demostrados por las estudiosas que me han precedido, y que generan ahora un debate teórico en torno al canon en la exposición temporal de mujeres artistas. Teniendo como foco una tipología de museo diversa, resulta oportuno plantear, ¿debemos diferenciar estas exposiciones?

Esta propuesta de investigación pretende responder a los interrogantes formulados, que en suma tratan de abordar cómo la teoría feminista ha permeado en las instituciones museísticas más tradicionales, tomando forma mediante sus exposiciones temporales. Para lograr dicho objetivo, se presentará el análisis de más de una década de exposiciones temporales de mujeres artistas en las pinacotecas nacionales europeas. Junto a éste, la reflexión teórica de sus influencias, modelos y propuestas en clave de género; para ahondar en sus éxitos y desaciertos; para seguir diferenciando el canon.

Palabras clave: Feminismo, exposición temporal, museos nacionales, canon, perspectiva de género.

Bibliografía:
Adair, Joshua G., and Amy K. Levin, (eds.). 2020. Museums, Sexuality, and Gender Activism. Abingdon, Oxon: Routledge.
Best, Susan. “What Is a Feminist Exhibition? Considering Contemporary Australia: Women.” Journal of Australian Studies 40, no. 2 (2016): 190–202.
Hill, Kate. 2016. Women and Museums 1850–1914 : Modernity and the Gendering of Knowledge. Gender in History. Manchester: Manchester University Press.
Levin, Amy K. 2010. Gender, Sexuality and Museums : A Routledge Reader. Milton Park, Abingdon, Oxon: Routledge.
Molins, Patricia, (ed.). 2020. Feminismo y museo. Un imaginario en construcción. Espacio, Tiempo y Forma. Serie VII. Historia del Arte, 8.
Pollock, Griselda. 1999. Differencing the Canon. Feminism and the Writing of Art’s Histories. London-New York: Routledge; 2020. Encuentros en el museo feminista virtual: tiempo, espacio y el archivo. Madrid: Cátedra.
Robinson, Hilary. “Feminism Meets the Big Exhibition: Museum Survey Shows Since 2005”. Curating in Feminist Thought, May 1, (2016): 29-41.
Spies-Gans, Paris A. “Why Do We Think There Have Been No Great Women Artists? Revisiting Linda Nochlin and the Archive.” The Art Bulletin (New York, N.Y.) 104, no. 4 (2022): 70–94.

17:20-17:30H: ELENA MUÑOZ GÓMEZ (USAL). Não vendí. Ataque al canon desde el archivo de donaciones (Museo de Lamego)

El archivo de donaciones del Museo de Lamego, fundado en 1917, recoge los nombres de mujeres que contribuyen a su colección, especialmente a partir de 1974, coincidiendo con el Movimento de Liberación de la Mujer y la Revolución de los Claveles. La mayoría de ellas, burguesas de Tras-os-Montes, se presenta como viuda o hija de un “ilustre” lamecense liberal o militar, y su motivación sugiere un trato emotivo e íntimo con los objetos que ofrece al Museo entendido como lugar de memoria y homenaje familiar. La institución -como otros museos- acepta las piezas que considera valiosas y expone las que complementan su discurso expositivo, pero la mayor parte no responde al canon, así que clausura en sus fondos categorías que lo desdestabilizarían, como la etnográfica. Sin embargo, estas generalizaciones, que suelen aplicarse a la donación femenina, se debilitan ante cada caso. Algunas donantes ofrecen arte que sí protagoniza el discurso museístico; otras son artistas donantes invisivilizadas, o museólogas de criterio historico-artístico… ¿cómo interpretar esta diversidad?

Si la Historia de las Mujeres se limita a nombrar a las antes excluidas, no consigue desnaturalizar el sistema de exclusión ni poner en evidencia los procesos que lo perpetúan, sino que puede terminar fortaleciendo métodos opresivos al expandir el discurso al margen. Esta manifestación tiene fuerza liberadora cuando descubre las capas que construyen la otredad, hasta “quedarnos a la intemperie” –dice Estrella de Diego– pues el Museo siempre establece un canon, y no le queda otra que el razonamiento autodestructivo que transparente las tramoyas de su Historia, que se finge neutral.

¿A quién benefician esas donaciones? ¿cabe llamarlas agencias? ¿una donación puede ser subversiva? En su definición antropológica, la donación es medio y fin de relaciones de dominio, una práctica cultural -junto a mecenazgo, coleccionismo, arte- que produce significados y sujetos sociales que los consumen. Cuestionar el “don” es cuestionar la identidad de quienes son producidos por él y desvelar su sutento en la contradicción: es una
práctica voluntaria y gratuita, y a la vez necesidad adquirida en un marco de dependencias: el museo ofrece a la donante contrapartidas que elevan el valor del arte como objeto sacralizado e intercambiable por dinero y estatus.

En el archivo del Museo quizás se encuentra esta posibilidad de atacar su razón de ser, pues la donación de las mujeres somatiza la debilidad del canon. La minoría visibilizada en el discurso recibe contrapartidas porque los objetos que dona se reconocen como arte en la medida en que son sustituibles por otra cosa, mientras la mayoría invisible no dona objetos fácilmente intercambiables… ¿menos “artísticos”, más auténticos?

Palabras clave: Arte, Género, Archivo, Museo, Donación

Bibliografía:
1925. Marcel Mauss, Ensayo sobre el don.
1926. Agustín García Calvo. El Amor y los 2 sexos.
1927. Griselda Pollock. Visión y diferencia. Feminismo, feminidad e historias del arte.
1928. Jacques Derrida. Dar (el) tiempo. La moneda falsa.
1929. Aida Rechena. Sociomuseologia e Género.
1930. Filipa Lowndes. A arte sem história: mulheres e cultura artística.
1931. Nuno Resende, Luís Sebastian. Faces: retrato e identidade nas doações e legados do Museu de Lamego.

17:30-17:40H: GRETA BOLDORINI (Universidad de Padua). L’archivio come pratica di riscrittura del canone: il caso della galleria Emi Fontana

La proposta di intervento intende ricostruire alcuni momenti particolarmente significativi nella storia della galleria milanese di Emi Fontana, curatrice, femminista, gallerista, che inaugura il suo spazio espositivo milanese nel 1992, dimostrando sin dall’esordio, con una personale dell’artista newyorchese Nancy Dwyer, una specifica attenzione verso la produzione artistica femminile. Il primo anno di programmazione si caratterizza, infatti, per una proposta tutta femminile che si conclude con la collettiva Peccato di novità, a cura della critica Francesca Pasini, il cui approccio curatoriale è connotato da un chiaro intento femminista. Altrettanto interessanti risultano le esposizioni personali di alcune celebri artiste internazionali come Adrian Piper, o italiane come Liliana Moro e Monica Bonvicini. Storia espositiva scarsamente nota e raramente citata anche negli esigui studi fin qui condotti sugli anni Novanta e gli anni Zero, quella della galleria, ricostruibile attraverso l’archivio dello spazio espositivo, appare così un caso studio particolarmente rilevante sia per il suo chiaro posizionamento di stampo femminista sia per il significativo apporto ad una storia dell’arte degli anni Novanta, decennio ancora poco analizzato in ambito accademico. Lo studio dell’archivio appare stimolante da una duplice prospettiva: all’obiettivo di stampo contenutistico di indagare e ricostruire una storia poco nota della storia dell’arte che si ritiene interessante in un’ottica femminista, fa da contraltare dal punto di vista metodologico, la possibilità di differenziare il canone, per utilizzare un’espressione di Griselda Pollock. In
un’ottica femminista, lo studio di vicende poco note nella storia dell’arte non è finalizzato esclusivamente e primariamente all’inclusione di quelle storie nella Storia dell’arte, ma ha l’obiettivo di cambiare il punto di vista e mettere in dubbio la Storia dell’arte stessa e il canone che si è consolidato. La galleria Emi Fontana in generale, e la ricostruzione specifica di alcuni momenti espostivi, qui proposti, rappresentano così una buona occasione e possibilità di riscrittura del canone.

Key words: archivio, femminismo, arte italiana, anni novanta, canone

17:40-17:50H: ANA CRISTINA VÉLEZ (Universidad EAFIT). Círculos de reconocimiento: Mujeres en los Salones Nacionales de Artistas 1965 a 1980

En el mundo del arte las mujeres artistas han tenido que competir y ser auténticas bajo las reglas, los términos y la tradición de los hombres. El giro feminista que se pretende mostrar en esta presentación es el acaecido en los años 60 y 70 del siglo XX en el campo artístico colombiano; décadas en las cuales las artistas empezaron a participar en más cantidad y con más constancia en los Salones Nacionales y en los que se hicieron acreedoras de premios y reconocimientos que sus antecesoras, salvo contadas excepciones, no obtuvieron en vida debido a la censura de la época que no les brindó espacio para la visibilización como es el caso de la pintora Débora Arango quien no sólo en Colombia fue censurada, sino también en España durante la dictadura de Franco.

Las artistas de estas décadas tenían además, dos características: una que habían estudiado en facultades de artes, lo que les confería una legitimidad más allá del autorreconcomiento como artistas; y dos, que con la participación y premiación en los salones, este reconocimiento trascendía a sus pares, a los jurados, a la prensa, a la crítica y por supuesto, al público en general. Pero, ¿Cuáles fueron los criterios de dicho reconocimiento? La respuesta es la que se dispone presentar en este coloquio.

Palabras clave: Criterios de reconocimiento, Salones Nacionales de Artistas

Fuentes:
Archivo: Actas de convocatoria y premiación de los SNA de 1965 a 1980; Catálogo de SNA-50 años; Revista Cromos (1965-1980); Periódico El Tiempo
(1965-1980).

Bibliografía:
Heinich, Natalie. (2002). La Sociología del arte.
Cordero K y Saénz I. (2007). Crítica feminista en la teoría e historia del arte.
Bowness, Alan. (1990) The Conditions of Success: How the Modern Artist Rises to Fame.

Preside: José Javier Díaz Freire, Universidad del País Vasco/EHU.

Comunicantes:
17:00-17:10H: CLARA ZARZA (IE University). Repensar la omisión: de la vida de la artista a la vida de la obra

El reconocimiento del canon del arte y la categorización del artista como excluyente fueron contribuciones fundamentales de la teoría feminista a la historia arte en el siglo XX. Autoras clave como Griselda Pollock y Linda Nochlin plantearon que el historiador debe analizar el contexto de producción de una obra en vez de perpetuar juicios de valor. En lugar de ampliar o corregir el canon incluyendo historias de mujeres artistas, se propuso una mirada crítica que cuestiona los valores y estructuras que las excluyeron. A pesar de estas críticas, en las últimas décadas asistimos a un resurgimiento del método biográfico en el comisariado de exposiciones de arte contemporáneo como consecuencia del marcado interés que las instituciones del mundo del arte euroamericano han mostrado hacia aquellas obras que ofrecen una supuesta mirada a la esfera privada de la artista. Lo autobiográfico, la confesión y la intimidad como nuevo marco de valor que sustituye a la visión crítica de la autorrepresentación como un acto narcisista y carente de elaboración artística dio visibilidad a obras transgresoras en el marco del museo a través de un proceso de despolitización. En esta comunicación se retomar la crítica feminista de los estigmas asociados con la autorrepresentación para exponer cómo la recuperación del método biográfico en el contexto del comisariado de arte contemporáneo, especialmente en el caso de la obra de mujeres artistas o de sujetos percibidos como no-normativos, es una estrategia comercialmente exitosa para la producción de ‘diferencia’ y ‘otredad’ como objeto de consumo novedoso. Asimismo, propongo que, si reconducimos la mirada biográfica al objeto artístico y estudiamos la vida de la obra, podremos retomar esa propuesta historiográfica según la cual el historiador/comisario visibiliza las condiciones de producción, la estructuras y los sistemas de valor que regulan estos objetos en lugar de invisibilizar y mistificar su omisión.

Palabras clave: Arte contemporáneo, autorrepresentación, método biográfico, comisariado

Bibliografía:
Arjun Appadurai. 1986. ‘Introduction’, Arjun Appadurai (ed.), The Social Life of Things: Commodities in Cultural Perspective (Cambridge: Cambridge University Press): 3-63
Dimitrakaki, Angela. 2004. ‘Researching culture/s and the omitted footnote: questions on the practice of feminist art history’, en J Fisher and G Mosquera (ed.) Over here: international perspectives on art and culture, (Nueva York & Cambridge, MA: The New Museum of Contemporary Art & MIT Press):88-101.
Hanisch, Carol. 2006 ‘The personal is political: the Women’s Liberation Movement classic with a new explanatory introduction’ Acceso Mayo 2016:
http://www.carolhanisch.org/index.html%3E
Jones, Amelia. 2008. ‘The Return of Feminist Art’, X-Tra, 10 (4).
Krasny. Elke, Perry, Lara y Richter, Dorothee (eds.). 2016. Curating in Feminist Thought, OnCurating Issue 29.
Lumbreras, M. 2011. ‘Éxito, (hiper)visibilidad, ambivalencia: las instalaciones de Mona Hatoum’, Quintana (10): 195-207.
Mitchell, W. J. Thomas. 2017. ¿Qué quieren las imágenes? Una crítica de la cultura visual (Bilbao: Sans Soleil)
Molesworth, Helen. 2010. ‘How to Install Art as a feminist’ in Butler, Cornelia H., and Alexandra Schwartz. 2010. Modern Women: Women Artists at the Museum of Modern Art. (Nueva York: Museum of Modern Art)
Nochlin, Linda. 1988. Women, Art, and Power : And Other Essays. (Nueva York: Harper & Row)
Pollock, Griselda 1987. 1999. Differencing the canon: feminist desire and the writing of art’s histories. (Londres: Routledge).

17:10-17:20H: PALOMA ZARZUELA Y DAVID BEORLEGUI (UAB/UDIMA). Identidad profesional y agencia de las arqueólogas en el tardofranquismo

Esta comunicación está dedicada a analizar las estrategias que han seguido tres mujeres para abrirse camino dentro de la Arqueología durante el tardofranquismo. Los inicios suponen un punto clave para la trayectoria profesional de todas las personas, y en el caso de las mujeres, su ingreso y continuidad en una disciplina tradicionalmente masculinizada como la Arqueología está mediada por cuestiones de género, clase y generación. Las principales fuentes de investigación están constituidas por entrevistas en profundidad realizadas a tres arqueólogas que alcanzaron la mayoría de edad durante la última década de la dictadura franquista. Lejos de tratarse de realidades monolíticas y experiencias homogéneas, estos
testimonios posibilitan un acercamiento a las diversas percepciones, motivaciones y expectativas de estas tres mujeres. Atendiendo a su subjetividad, esta investigación analiza su agencia ligada a su identidad profesional y a la praxis arqueológica desde una perspectiva de análisis interseccional. Paralelamente, también se han utilizado fotografías y recursos audiovisuales como documentos para analizar su rol dentro de la profesión. Por último, se reivindica la importancia de generar archivos que recojan la historia de las mujeres no solo con el fin de preservar su memoria, sino que también sirvan como motor del activismo feminista presente (Eichhorn 2013, 33).

Palabras clave: Género, Arqueología, Historia Oral, Identidad Profesional, Agencia

Bibliografía:
Eichhorn, K. (2013). The Archival Turn in Feminism: Outrage in Order. Temple University Press.

17:20-17:30H: MARÍA VICTORIA MARTINS RODRÍGUEZ (UCM). Memoria visual de las campesinas en el Franquismo. La Fotografía de Concurso del Ministerio de Agricultura (1948-1965).

El archivo del Ministerio de Agricultura cuenta con un valioso patrimonio documental de carácter audiovisual formado por varias colecciones compuestas por fotografías y documentales cinematográficos. Este archivo ha pasado por las clásicas vicisitudes de los fondos institucionales en España. Afortunadamente, se ha pasado de una situación de riesgo de desaparición física a su conservación y catalogación para su consulta y para la
organización de exposiciones y publicaciones destinadas al gran público. La mayoría de estos fondos fueron realizados por los propios funcionarios con el objetivo de mostrar la labor realizada por el organismo, con una finalidad educativa y propagandística. No es el caso del fondo conformado por las miles de fotografías que fueron presentadas al Concurso de Fotografía convocado por el Ministerio entre 1948 y 1965, objeto de nuestra comunicación, realizadas por fotógrafos, y también fotógrafas, aficionados/as.

Las especiales circunstancias que caracterizan un concurso fotográfico convierten estas imágenes en un fondo de especial interés como fuente documental, pero también como herramienta de la mirada. Constituyen un inestimable testimonio documental de las formas de vida y el trabajo de las mujeres del campo, pero también de la mirada de los/las concursantes que buscaban llamar la atención del jurado con instantáneas que captan desde lo considerado más icónico hasta lo más inusual o sorprendente. En ocasiones, aportan series fotográficas que permiten el análisis del trabajo de las mujeres en su contexto.

El visionado de estas instantáneas permite el cuestionamiento del discurso que invisibiliza la presencia de las mujeres en el trabajo en el campo. Por otro lado, la evidencia de la escasa media docena de mujeres que se animaron a presentarse a este concurso, refleja las dificultades de las mujeres para la práctica de esta disciplina artística, en la que en realidad mostraron un gran interés y una capacidad sobresaliente.

Palabras Clave: fotografía, concurso, mujeres, campesinas, ministerio de Agricultura.

Fuentes: Fondo de Concurso del Ministerio de Agricultura.

17:30-17:40H: ANE LEKUONA (EHU/UPV). Más allá del discurso. Afectos en las Historias del Arte feministas.

Para esta comunicación me interesa poner en diálogo las maternidades que representaron tres pintoras que, aun con grandes diferencias en su faceta artística y personal, compartieron algunas experiencias, como el estudiar en la Academia de San Fernando, intentar profesionalizarse como artistas, ser mujeres y madres bajo la dictadura y, al menos en un periodo de su trayectoria, decantarse por el lenguaje figurativo.

Considero que poner en diálogo las maternidades de Juana Francés (1924-1990), Begoña Izquierdo (1926-1999) y Carmen Maura (1945-2018) –aunque en este diálogo podrían introducirse muchos otros nombres– nos permite pensar otras maneras de construir las genealogías feministas de nuestra historia del arte, en este caso, no a partir de criterios temáticos o formales, sino atendiendo las emociones que vendrían a mostrar o sugerir las obras de arte.

La hipótesis que se plantea, justamente, es que las maternidades de estas artistas no encajan con el régimen emocional que se dirigía a las mujeres en la época, y que esta alteración, expansión y cuestionamiento de la iconografía clásica de madre-hijxs, tropo de la historia del arte occidental, se puede estudiar a partir de las huellas emocionales que se muestran en las obras. Es decir, se atiende a través de qué estrategias plásticas y/o conceptuales se consigue esa desorientación, y es que, al no contar apenas con los testimonios o las voces de las artistas, esta reflexión parte del análisis visual, lo que supone a su vez una reflexión en torno a cómo introducir metodológicamente las propuestas y debates del giro afectivo en la disciplina de la historia del arte.

Palabras clave: maternidades, huellas emocionales, Academia de San Fernando, lenguaje figurativo.

Bibliografía:
AHMED, S., La política cultural de las emociones, Universidad Nacional Autónoma de México, Centro de Investigaciones y Estudios de Género, Ciudad de México, 2017.
AHMED, S., La promesa de la felicidad. Una crítica cultural al imperativo de la alegría, Caja Negra Editora, Buenos Aires, 2019.
ARBAIZA, M., “Dones en transició”: el feminismo como acontecimiento emocional”, en
ARBAIZA, M., “El malestar de las mujeres en España (1956-1968)”, Arenal, 28-2, 2021, 415-445.
GOTBY, A. Ellos lo llaman amor. Una política de las emociones. Verso libros, 2023.
LABANYI, J., “Doing things: emotion, affect, and materiality”, Journal of Spanish Cultural Studies, 11, 2010, 223-233.
BAL, M., Tiempos trastornados. Análisis, historias y políticas de la mirada. Akal.
ROMO PARRA, M. C., “El desorden de la identidad persistente. Cambio social y estatus de la mujer en la España desarrollista”, Arenal, 12-1, 2005, 91-109.
ROMO PARRA, M. C., “El hogar desarrollista, un mito. Relato sobre la modernización económica franquista en la construcción de la privacidad y la
domesticidad”, Kamchatka. Revista de análisis cultural, 18, 2021, 151-176.
TEJEDA, I., “Artistas españolas bajo el franquismo. Manifestaciones artísticas y feminismos en los años sesenta y setenta”, en ALIAGA, J. V.; MAYAYO, P. (eds.), Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010, This Side Up, Madrid, pp. 181-206.

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